C'est-à-dire ? L'art, contemporain ou moins, vous parlerait mais il faudrait à la VO quelques sous-titres. C'est ça ? Venez à ces conférences, dont la prochaine se tient cet après-midi à la librairie Les Volcans et que donne Jean-Charles Vergne. Pour dire A quoi sert l'art… Et venez d'autant plus que le directeur du FRAC en parle parfaitement bien. Avant tout, c'est quoi l'art… ? C'est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art - dixit Robert Filliou artiste américain 1926-1987. Mais encore ? Si l'on veut expliquer cela très simplement, prenons l'exemple de l'Été indien de Joe Dassin Avec ta robe longue tu ressemblais à une aquarelle de Marie-Laurençin… Un homme voit, un jour, des aquarelles de Marie Laurencin dans un musée. Il les oublie. Des semaines, mois ou années plus tard, il croise une femme et le souvenir des aquarelles de Marie-Laurençin se superpose alors à la vision de cette femme. Cette dernière lui apparaît d'autant plus belle. L'art c'est donc ce qui rend la vie plus intéressante que l'art lui-même. Et cet art, à quoi sert-il ? À rien. Des tas de gens n'ont pas de livre, de musique, de tableau et sont parfaitement heureux. On peut donc s'en passer. Cela dit, lorsque l'on fait une rencontre semblable à celle de cet homme qui croise cette femme dont la robe ressemble à une aquarelle de Marie-Laurençin, on est ensuite en quête de la deuxième, et de la troisième rencontre… L'art ne produit aucune valeur ajoutée - je mets de côté l'aspect marchand - ; il y a très peu de choses qui ne servent à rien ; l'art - la culture en général c'est probablement le dernier abri de la nuance et c'est sans doute en cela qu'il est indispensable. Est-ce nécessaire, et si oui en quoi, d'expliquer l'art… C'est nécessaire jusqu'à un certain point. Au début on a besoin de clefs. C'est comme pour lire. Picasso disait l'art c'est comme le chinois, ça s'apprend ; face à une 'uvre on est souvent comme confronté à une langue étrangère en quelque sorte. Depuis l'enfance nous sommes nourris de clefs et codes. L'artiste, lui, passe son temps à les transgresser et à inventer de nouveaux langages. Encore des codes donc. Oui mais assez simples. 1 Il s'agit de désapprendre à lire - c'est-à-dire être dans une situation virginale devant une 'uvre - et 2 accepter de ne pas comprendre. On ne demande pas à une partition de Mozart d'être expliquée, on accepte de l'écouter. Une 'uvre d'art, si elle est abstraite par exemple, il faut accepter de ne pas avoir de mode d'emploi. Quand on fait une conférence sur l'art, on donne un mode d'emploi. Et au bout d'un moment, ce mode d'emploi il faut l'oublier. Il faut donc également apprendre à regarder. Ce n'est pas tant apprendre que désamorcer des blocages. Il s'agit, en fait, de donner des bases historiques… Qu'entendez-vous par blocage ? Les choses entendues comme C'est de la supercherie, ou Je peux en faire autant. Mais si je vous dis, devant un monochrome de Redman, je peux faire la même chose, que me rétorquez-vous ? Je vous dis bien sûr. Évidemment. Imaginons une expo fictive de sept monochromes rouges. Exactement identiques. Le premier s'appelle la traversée de la mer rouge par les Hébreux, le deuxième La colère, le troisième Nappe rouge, etcæ Le septième Red Square. Des 'uvres identiques mais dont l'intention n'est pas la même. Parmi celles-là, il y a en a peut-être une très intéressante, deux médiocres et ainsi de suite… C'est donc l'explication que vous donnerez qui la rendra intéressante, pas forcément sa qualité plastique ou esthétique. Oui, c'est l'intention. Il faut se sortir de l'idée que l'art… silence. L'art ce n'est pas un bouquet de fleurs ! L'art n'est pas là pour faire plaisir aux yeux. Les yeux mènent au cerveau, le cerveau à des idées. Beaucoup disent moi j'aime ou j'aime pas ; une 'uvre n'a pas été faite pour ça. Cézanne a été l'artiste le plus "insulté" de toute l'histoire de l'art. Il s'en foutait. La fonction n'est pas de plaire au plus grand nombre Il allait au pied de la montagne, il peignait la montagne… Seules deux ou trois personnes venaient le voir Picasso et Braque notamment, qui grâce à lui ont inventé le cubisme et ouvert les portes de l'abstraction. Cézanne se pose des questions et tente d'y répondre. Sinon il fait de la variété ! Ce n'est pas péjoratif ce que je dis, mais la fonction n'est pas de plaire au plus grand nombre. C'est avant tout une recherche et cette recherche ne peut être menée que dans le cadre d'un enracinement dans une histoire. Donc si on n'explique pas au minimum ce qu'a été cette histoire, on ne peut pas expliquer un monochrome rouge ou blanc ou bleu. Une des facettes de l'art est de proposer, parfois, un langage chiant je pense à certains catalogues ? Comment sortir de cela ? Il y a plusieurs étages. Un catalogue n'a pas pour objectif d'être didactique ou pédagogique. C'est un outil scientifique qui peut faire avancer le travail de l'artiste par un biais critique. La conférence, ou la visite guidée, c'est se mettre à la portée d'un public dont on sait qu'il est hétérogène ; je précise d'ailleurs que le cycle donné aux Volcans est à l'attention des néophytes et je précise également au public que je vais faire des raccourcis et approximations pour servir le propos. Les difficultés que les gens peuvent rencontrer face à une 'uvre je les ai vécues donc je fais en sorte de les appréhender de la manière la plus simple possible. Julien Dodon Conférence. Prochain rendez-vous mercredi 9 février à la librairie Les Volcans 80 boulevard François-Mitterrand à 17 heures. Une autre est programmée en mars. Infos au Exposition. À quoi tient la beauté des étreintes… Sous cet intitulé, le Frac Auvergne présente soixante-cinq œuvres de sa collection, dont une moitié concerne des acquisitions récentes présentées pour la première fois. À découvrir du mardi au dimanche entrée libre au Frac, rue du Terrail à Clermont. Imaginer une exposition à partir d’une collection revient en quelque sorte à provoquer des étreintes, des accolades affectives fondées sur des familiarités entre artistes qui s’estiment, sur des œuvres concernées par des ré- flexions communes, fondées aussi sur des rapprochements formels ou chromatiques inattendus, voire improbables, susceptibles d’engendrer d’autres formes de lectures…

Dune manière générale, l'art sert-il à quelque chose ? Tu aurais aussi pu poser ta question dans la rubrique philosophie car elle est très intéressante et donne à réfléchir. Je pense que le cinéma sert à instruire, divertir, dénoncer, montrer les choses sous un angle particulier, faire prendre conscience. Voici des articles sur le

Lart est donc un luxe qui ne sert à rien d’autre qu’à se satisfaire soi-même. Et pourtant malgré cela, nous pouvons voir que l'art est une chose que tout le monde côtoie, tout au long de sa vie et sous beaucoup d’aspect. Qui n’a jamais écouté de musique, regarder un film, lu

1Dans les réussites de l’art il y a quelque chose qui surpasse à la fois la volonté de l’artiste, si attentive et si lucide qu’elle soit, et la sensibilité du spectateur, quelles que soient sa délicatesse et ses exigences. Aussi, ce serait une entreprise stérile que de chercher à définir d’abord certaines puissances de l’esprit et de montrer ensuite comment nous parvenons, en les mettant en œuvre, à obtenir les satisfactions que nous en attendons. C’est la démarche inverse que nous devons suivre. La création artistique obéit à un obscur désir elle est une aspiration vers ce qui nous manque, un vide intérieur que nous cherchons à remplir. Mais, quels que soient nos efforts, nous ne réussissons pas d’avance à le circonscrire. Le circonscrire, c’est faire émerger la forme qui, aussitôt, lui donne un contenu. C’est réaliser l’œuvre d’art. Elle seule est capable de nous révéler le désir qui était en nous en l’apaisant. Il n’en est point autrement de la vérité que cherche le savant nous ne savons ce qu’elle est que quand elle se montre et ce qui pouvait satisfaire notre pensée que quand nous l’avons trouvé. Ainsi nous ne chercherons quelle est l’origine de l’art ni dans l’histoire de l’humanité, ni dans le vouloir de l’artiste ; nous ne chercherons pas non plus quelle est la fonction particulière de la conscience dont l’art est, pour ainsi dire, l’exercice, ni quelle est son essence secrète que l’on devrait pouvoir retrouver pourtant jusque dans sa manifestation la plus humble. Nous ne poserons point à propos de l’art la question de droit. L’art est un grand fait humain. Or, si sa naissance, comme toutes les naissances, plonge dans les ténèbres, dès qu’il se montre à la lumière, il nous apporte une révélation. Et de cette révélation, nous n’aurons jamais achevé de prendre possession. L’artiste utilise des procédés, invente des techniques par lesquelles il tente de capter l’émotion dans une forme matérielle, de manière à en disposer et à la faire surgir à son gré. Mais quelle que soit l’acuité avec laquelle une méthode nous permet d’entrer en contact avec le réel et de le saisir, il y a ici un intervalle infini entre la règle appliquée et l’effet obtenu c’est dans cet intervalle même que l’art vient à éclosion. On le voit bien si on compare l’art à la science qui cherche précisément à abolir cet intervalle, à obtenir, dans l’application, des effets toujours conformes à la règle et que l’on produit à coup sûr. Au contraire, dès qu’elle s’est détachée des mains de l’artiste, son œuvre devient pour lui une réalité à la fois familière et inconnue ou bien il n’en supporte plus la vue, ou bien il la considère d’un regard aussi jeune que le spectateur qui la découvre. Ce qu’elle nous livre à ce moment-là, elle le livre à tous ; le technicien a disparu ou s’il retrouve encore d’une manière trop apparente les moyens dont il s’est servi, c’est qu’il a manqué son but. Non point qu’une sorte d’égalité soit créée alors entre les spectateurs. Celui qui a la conscience la plus ouverte, la plus fine et la plus accueillante a aussi de l’œuvre d’art l’intelligence la plus pénétrante il arrive qu’il instruise l’artiste lui-même non point seulement sur ce qu’il a fait, mais sur ce qu’il a voulu, presque à son insu. Car on ne peut juger d’un esprit sur la pensée qu’il a lui-même, mais sur les actes auxquels elle le conduit, ni sur ses desseins, mais sur leur fruit. Voici donc l’art devant nous, réduit à n’être plus pour nous qu’un pur témoignage auquel nous allons demander non point quel est son sens, mais quel sens il donne à cette réalité qu’il représente et qui par lui se trouve toujours toutes les créations de l’esprit humain l’art possède en effet une situation exceptionnelle. Si nous acceptons de le considérer dans ses sommets, il donne à la conscience une satisfaction gratuite et parfaite qui surpasse son attente et même son espérance. Il met en mouvement toutes ses puissances intérieures mais celles-ci, au lieu de s’opposer les unes aux autres, se répondent, se soutiennent et s’unifient. Il devance en nous le désir ce désir, il va l’éveiller au fond de nous-même, il le découvre et il le suscite. Mais en même temps, il l’apaise et le comble. Dans l’émotion esthétique, le désir et l’objet du désir sont donnés à la fois, ils ne cessent de se répondre dans une oscillation ininterrompue ; mais, tandis que, dans la vie de tous les jours, je ne rencontre aucun objet qui puisse égaler, semble-t-il, ma puissance de désirer, ici les rapports se trouvent tout à coup renversés. Le désirable est antérieur au désir. Et je crains qu’il n’y ait jamais en moi assez de désir pour actualiser et posséder tout ce désirable. Il y a plus, le propre du désir c’est toujours de me montrer 1’insuffisance du réel et de me porter au-delà. Mais ici tout au contraire c’est le réel que nous avons sous les yeux qui ne cesse de nourrir le désir sans que celui-ci parvienne à l’épuiser. Pour cela il n’a fallu que cette touche légère de l’activité humaine qui, en transposant le réel dans l’œuvre d’art, lui a donné tout à coup une lumière extraordinaire, un immense arrière-plan, une affinité mystérieuse avec nous. L’art prend naissance au moment où l’hiatus qui sépare le réel de notre esprit se trouve tout à coup aboli, où la contradiction entre le sujet et l’objet, entre l’aspiration et la donnée est surmontée, où une incessante communication se produit entre la conscience et la nature, et qui est telle que chacune ne cesse de fournir à l’autre, toutes deux semblant à la fois recevoir et donner. 3Le monde qui était pour moi un obstacle devient maintenant un chemin ouvert à mon esprit. Les choses cessent de m’être opposées je découvre entre elles et moi une affinité qui est l’objet d’une possession actuelle, mais qui demeure toujours aussi une promesse et une espérance. Le signe de l’émotion esthétique, c’est la joie que je ressens à voir que les choses sont en effet ce qu’elles sont. Je ne crains point qu’elles m’échappent, puisque le propre de l’art c’est de les capter et de m’en donner pour ainsi dire la disposition ; mais je n’ai jamais fini d’en disposer ; je ne crains pas non plus que leur possession s’épuise et me ferme l’avenir. Bien plus, il ne suffit pas que l’émotion esthétique ne cesse de se renouveler et de se régénérer elle-même à mesure qu’elle s’étend et s’approfondit, il faut qu’elle multiplie ces raisons que nous avons de vouloir que les choses soient précisément ce qu’elles sont. Elle nous permet de donner ainsi au temps sa véritable signification car il ne nous retire rien de ce que nous avions et s’il nous engage dans l’avenir, c’est seulement pour nous montrer la plénitude infinie d’une valeur que nous avons pourtant sous les yeux. A cet égard, la beauté dépasse à la fois la vérité et la moralité la vérité, qui, si elle me donne la joie de la connaître, ne me donne pas celle de la vouloir puisque je n’agis jamais que pour la changer, et la moralité qui réside seulement dans l’effort et le mérite et ne m’apporte jamais un objet que je puisse embrasser ni posséder. La beauté est une cime vers laquelle convergent à la fois la vérité, dès que je puis la connaître et la vouloir tout ensemble, et la moralité, dès que l’action qu’elle m’oblige à accomplir atteint un dernier point où elle suscite la contemplation et coïncide avec comprend donc bien pourquoi l’art n’est pas à proprement parler un problème proposé à notre réflexion ce qui paraît évident si l’on considère que toute réflexion sur l’art obscurcit sa nature au lieu de 1’éclairer, dissout sa fine essence et transpose sur un terrain différent où l’intelligence interroge encore le réel, la réponse même que l’art vient de lui fournir ce qu’il nous montre en effet, c’est comment l’esprit parvient à pénétrer le réel, à se le rendre présent, à lui reconnaître une signification en découvrant en lui la réalisation de ses vœux. Mais c’est la conscience de l’artiste, elle, qui est un problème vivant elle mesure la distance qui sépare ce qui lui est donné de ce qu’elle désire ; elle ignore ce qu’elle désire, puisqu’elle cherche précisément à se le représenter et, chose admirable, il suffit qu’elle le représente pour l’obtenir. C’est comme une sollicitation adressée sans cesse au réel qui tout à coup le lui livre. Ainsi, l’œuvre d’art est toujours une solution c’est cette solution que nous cherchons en elle. C’est pour la mieux comprendre que nous remontons jusqu’au problème qu’elle suppose sans oublier que la solution pour nous devance ici le problème. C’est donc en méditant sur l’art comme solution, et non point comme problème, que nous discernons sa véritable nature. Ou plutôt, c’est la solution qui nous découvre le problème. Au-delà même de nos aspirations esthétiques l’art nous montre comment, si l’esprit s’identifie toujours avec une question que nous posons sur le réel, cette question peut être satisfaite par une réponse qui nous en donne la d’abord on peut dire que le propre de l’art, c’est de nous découvrir la présence au réel. Et sans doute cette assertion peut surprendre, puisque le réel est devant nous et que l’art refuse, semble-t-il, de s’en contenter, soit qu’il cherche seulement à le reproduire, mais sur un autre plan et avec des moyens qui lui appartiennent, soit qu’il entreprenne de l’idéaliser. Cependant l’appréhension du réel n’est pas aussi simple ni aussi immédiate qu’on pourrait le penser ; et si nous comparons la manière dont il s’offre d’emblée au regard avec la représentation que l’art nous en donne, nous verrons que la vocation de l’art est précisément de nous en apporter la révélation. En effet, le réel, c’est d’abord un spectacle familier et changeant qui s’étend autour de nous, que nous retrouvons chaque jour et qui donne un point d’appui à nos pas et un but à nos mouvements, qui présente juste assez de constance pour ne point nous ôter toute sécurité et juste assez de mobilité pour réveiller en nous les puissances de la vie et les obliger à tout instant à s’exercer. Mais peut-on dire que dans ce spectacle le réel se montre à nous véritablement ? Y a-t-il en nous une attention, un intérêt, qui, en s’attachant à lui, nous en donnent une image pure ? Que lui demandons-nous sinon de fournir un chemin à notre activité et un aliment à nos besoins ? En lui-même le réel n’a encore pour nous ni valeur ni signification. Nous ne le rencontrons qu’au terme d’une action à laquelle il fournit soit un obstacle, soit un véhicule. Nous ne cessons de l’interroger mais afin de reconnaître ce qu’il recèle en lui qui peut nous servir ou nous nuire. Nous n’envisageons jamais le réel que dans son rapport, non pas seulement avec nous, mais avec notre utilité. Dès lors, en devenant pour nous un moyen, il nous dérobe pour ainsi dire son vrai visage. Il se plie à une fin qui lui est étrangère et nous ne retenons de lui que les indices qui nous permettront de l’atteindre. Dès que ces indices ont été reconnus, nous cessons en quelque sorte de le voir. Ainsi, soit qu’il ne puisse nous servir, soit que l’usage que nous en faisons devienne trop assuré, il s’enveloppe peu à peu dans les voiles de l’habitude derrière eux nous soupçonnons sa présence, mais sans être capables de la réaliser. 5L’art déchire ce voile. Il abolit tous les écrans entre le réel et nous. Il interrompt toutes ces réactions trop connues que le réel suscite en nous et qui le dissimulent. Il traverse toute l’épaisseur des représentations acquises. Il nous oblige à retrouver avec les choses un contact absolu. Il abolit en elles l’utilité, dissipe toutes les arrière-pensées par lesquelles nous les rapportons à quelque terme de comparaison situé en dehors d’elles ; il serait même plus vrai de dire, comme on le fait parfois, qu’il en fait un terme de comparaison pour tout le reste, si ce n’était par là diviser encore une pensée qu’elles doivent retenir tout entière et qui trouve dans leur contemplation un mouvement qui lui suffit. Ainsi, l’art restitue aux choses leur état de choses il nous les découvre ; il leur donne une sorte de présence pure que jusque là nous n’avions pas soupçonnée. Il nous oblige à les regarder, à les apercevoir telles que nous les verrions la première fois, si notre regard était assez pénétrant et assez lucide. Il rend au regard sa parfaite jeunesse, à l’atmosphère qui enveloppe le réel une transparence presque surnaturelle. On le voit dans 1’effort par lequel l’artiste, préoccupé d’oublier tout son passé, tout son savoir, cherche seulement à scruter le réel afin de le tenir à la disposition tout à la fois de l’œil et de la main les ressources de la technique la plus habile n’ont point d’autre fin que d’obtenir cette double coïncidence et de disparaître au moment où elle se réalise. Mais le spectacle du monde perd alors sa familiarité anonyme pour acquérir une familiarité intime et personnelle, comme les choses qui n’étaient pour nous qu’un objet d’usage dont nous nous sommes longtemps servi sans les avoir remarquées et qui, quand nous les retrouvons après les avoir perdues de vue, acquièrent tout à coup un relief vivant et mobilité des différents aspects du réel nous empêchait aussi de leur appliquer une attention assez sérieuse habitués à les voir apparaître et disparaître, nous ne posions sur elles qu’une pensée d’un moment qui s’était déjà retirée d’elles avant qu’elles fussent évanouies. L’art, par l’immobilité qu’il leur donne, ou par la possibilité qu’il nous donne de recommencer toujours un mouvement aboli, nous introduit dans cette présence constante, indépendante à la fois du temps et du besoin, qui est toujours de niveau avec un esprit présent à lui-même et qui est prête à répondre sans cesse à ses moindres sollicitations. L’art suscite donc en nous une attention si pleine et si docile qu’il nous montre comme véritablement présente une réalité qui était toujours devant nous, mais que nous n’avions jamais vue il oblige la conscience à s’en emparer, à en réaliser une perception actuelle qui fait saillie sur toutes nos perceptions habituelles toujours un peu amorties ou effacées, soit par le souvenir de celles que nous avons déjà eues et qui les recouvrent, soit par les signes de quelque événement plus lointain que nous recherchons en elles et qui nous en détournent. Le propre de l’artiste, c’est donc d’être un médiateur entre le réel et nous il suffit de songer soit au peintre de paysage, soit au peintre de portrait qui nous donnent de l’horizon le plus commun, du visage que nous croyons le mieux connaître une présentation si profonde et en même temps si inattendue, pour nous apercevoir que cette vision personnelle qu’ils nous apportent change la nôtre et nous contraint, pour ainsi dire, à découvrir, à travers les choses qu’ils n’ont rencontrées souvent qu’une fois, celles mêmes que nous n’avions peut-être jamais cette présence des choses, l’émotion esthétique ne suffit-elle pas à nous la donner sans le secours de l’art ? Pourquoi faut-il encore que l’art intervienne pour en être l’interprète ? On comprend bien que l’artiste, dès qu’il atteint une appréhension si exceptionnelle du réel, songe à la fixer de manière à nous la communiquer et par conséquent à nous permettre de la réaliser à notre tour. Mais est-ce là l’unique signification de la création artistique ? N’a-t-elle pour rôle que de capter et de transmettre cette perception attentive et désintéressée qui nous livre les choses elles-mêmes, par delà l’habitude ou l’usage ? Nul artiste ne consentirait sans doute à le dire. Car il sent bien que le propre de l’art n’est pas seulement de traduire une perception qu’il a déjà, mais encore de la rendre possible et pour ainsi dire de la produire. Il n’y a point de perception directe, engagée dans notre vie quotidienne, qui puisse affecter le caractère d’une contemplation pure elle est pour cela trop chargée de matière, en relation trop immédiate avec notre corps, avec l’espace et le temps où se déploient nos désirs, elle est trop résistante et trop fragile à la fois, trop pleine pour nous de menaces ou de promesses ; elle est mêlée à toutes les conjonctures de notre vie pratique. Elle fait partie de ce monde temporel où nous avons toujours quelque intérêt plus ou moins pressant, ou nous ne cessons d’attendre, de désirer, de craindre, de risquer, de nous défendre, et qui ne devient jamais tout à fait un spectacle pour nous. C’est cette transformation de l’univers en spectacle que l’art réalise. Il faut que ce spectacle soit inutile pour qu’il ne soit plus que contemplé. Non pas que dans cette contemplation la volonté soit absente, puisqu’au contraire nous avons affaire alors à cette volonté dépouillée qui veut, comme nous l’avons dit, que les choses soient précisément ce qu’elles sont, et non pas à cette volonté de convoitise qui pense toujours au profit qu’elle en pourra tirer. L’originalité de l’art, c’est précisément de créer ce spectacle inutile qui oblige l’esprit à se purifier de toute pensée égoïste pour appliquer aux choses une pensée qui ne voit qu’elles et qui aussitôt les fait surgir devant nous. 7De là le rôle mystérieux joué par l’imitation qui a été si discutée, autour de laquelle on voit sans cesse renaître le conflit de l’idéalisme et du réalisme, dont on ne peut pas dire qu’elle épuise tout le secret de la création artistique, mais qui nous permet cependant d’en comprendre l’essence. Et il n’y a sans doute aucun art qui n’ait recours à l’imitation, au moins dans une certaine mesure, mais sans que les arts qui paraissent fondés sur elle laissent pourtant une moindre place à l’invention que les autres. 8Peut-être n’y a-t-il point d’imitation, comme on le voit dans ses manifestations les plus spontanées et les plus irréfléchies, qui ne possède déjà un caractère esthétique. C’est qu’elle vide l’objet de sa signification pratique et ne laisse plus subsister que sa forme. Aussi comprend-on que l’on puisse tantôt être très sévère pour elle et affirmer qu’elle est toujours servile et tarit le génie créateur, et tantôt la considérer avec assez de faveur pour prétendre que c’est quand elle montre le plus de probité et de fidélité que l’art atteint lui-même la perfection la plus haute. Pourtant la vertu esthétique de l’imitation n’est pas où on la met en général elle ne réside pas dans l’emploi de certains moyens techniques qui nous permettent de réduire l’art à une activité spécialisée par laquelle nous disposons du réel avec plus ou moins de science ou d’habileté. Non point que cette activité puisse être négligée ; seulement elle ne vaut pas par elle-même mais par le rôle qu’elle est destinée à remplir. Car ce rôle, c’est de rendre possible une transposition du réel du domaine de l’utilité dans un domaine différent où l’esprit se donne des règles afin d’en faire un objet de contemplation pure. L’art réside dans cette transposition elle-même. Les règles auxquelles il s’assujettit pour la produire n’ont point, comme on le croit, de signification esthétique par elles-mêmes, mais seulement parce qu’elles assurent la possibilité de cette imitation par transposition » qui substitue à l’image de la réalité la réalité d’une image, et convertit un objet qui avait des rapports avec notre corps en un autre objet qui n’en a plus qu’avec notre esprit. C’est cette transmutation, cette transfiguration qui en donnant aux choses une sorte de présence absolue, les revêt aussitôt d’un caractère esthétique. Ce qui suffit pour expliquer trois choses d’abord pourquoi, comme on 1’a remarqué souvent, les choses qui sont dans la nature ne produisent en nous une émotion esthétique que si nous réussissons par l’imagination à en faire pour ainsi dire des tableaux, ensuite pourquoi aucune d’entre elles, contrairement à un préjugé idéaliste, ne possède de privilège esthétique, de telle sorte que la plus humble d’entre elles peut se changer en une œuvre d’art si l’imitation parvient à isoler sa représentation de tout usage servile ; enfin pourquoi l’imitation exclut elle-même toute répétition, puisqu’elle doit nous donner la réalité même de la chose dans son unité concrète et sensible et que pour l’imiter deux fois, il faut nécessairement la recréer deux fois. 9Aussi, personne n’a vu plus profondément l’essence même de l’art que Pascal dans le mot si célèbre et pourtant si cruel Quelle vanité que la peinture qui attire l’admiration par la ressemblance des choses dont on n’admire point les originaux !On ne cherchera point à la réfuter et même on lui donnera les mains, mais on montrera que si nous admirons cette ressemblance, c’est précisément parce qu’elle dépouille l’original de ce qu’il y avait en lui de momentané et d’utilitaire et qui nous empêchait de le voir ; elle nous apprend à l’admirer en nous apprenant précisément ce qu’il comprend donc bien pourquoi l’art a toujours paru une sorte de prestige et même de miracle. Car il donne une valeur à des choses qui par elles-mêmes semblaient n’en avoir aucune. Or cette valeur semble produite par l’action grâce à laquelle nous parvenons à les figurer. Ce qui nous conduit à nous demander si l’art n’aurait pas son origine dans le pouvoir créateur de l’esprit plutôt que dans son pouvoir contemplatif. L’œuvre d’art que nous avons sous les yeux accumule en elle toutes les actions qu’il a fallu accomplir pour la créer et le propre de la contemplation c’est seulement, en nous les donnant toutes à la fois, de nous permettre de les retrouver et de les accomplir encore par l’imagination. L’art alors, comme la poésie, résiderait dans une activité inventive et créatrice par laquelle nous remonterions jusqu’à cette source même où les choses prennent naissance il nous les montrerait dans la puissance même qui leur permet d’éclore. Ainsi s’expliquerait ce rajeunissement, ce renouvellement que l’art imprime à toutes choses, aux plus banales, aux plus usées. Il semble les faire sortir des mains de l’artiste telles qu’elles sont sorties des mains du créateur. De là les interprétations différentes que l’on a pu donner de l’activité artistique elle-même, soit qu’on la considère comme étant l’activité propre de l’homme qui introduit la beauté dans le monde au moment où il le fait pénétrer dans une forme qu’il a conçue soit qu’on la considère comme une activité qui dépasse la nôtre et qui, issue des ténèbres de l’inconscient, nous oblige à retrouver dans le réel l’appel d’une vie profonde presque toujours masquée par l’expérience quotidienne, soit que l’on imagine une parenté entre l’activité par laquelle les choses se font et l’activité par laquelle nous les percevons, de telle sorte que, pour en prendre possession, nous soyons amenés à en retrouver les différentes formes, à les figurer et à les multiplier. Le caractère original de l’art, ce serait alors de nous obliger à réinventer le monde, de nous associer à ce mouvement qui ne cesse de le produire et de l’animer et qu’il est libre encore de prolonger et d’infléchir d’une infinité de manières. 11Il ne peut pas être question de contester cet élément d’invention et de création sans lequel l’art ne produirait rien. Et même il n’y a point de vue qui semble pénétrer plus avant dans l’essence même de l’art que celle qui essaie de l’atteindre dans l’acte même qui le fait être bien plus, il y a une relation fort étroite entre le caractère par lequel nous avons essayé de définir l’art et qui est de donner aux choses une présence toute neuve et celui qui nous permet de les considérer dans cette démarche créatrice qui les rend sans cesse naissantes. Pourtant il faut considérer qu’une démarche inventive n’a point par elle-même une valeur esthétique, que l’on ne peut attribuer aux créations de la science, de la technique, ou même de la moralité que par une extension des termes qui est peut-être abusive. L’important en effet, c’est que cette création soit celle d’un spectacle qui puisse être contemplé. Or cela n’est possible précisément que si ce spectacle est l’objet privilégié de notre création, ce qui ne peut arriver que si nous nous préoccupons non point de produire des effets qui puissent prendre place dans le monde et en changer pour ainsi dire la nature, mais de produire un nouvel aspect de la réalité, libre de tout intérêt et qui nous permette de la saisir en elle-même, abstraction faite du parti que nous songeons à en tirer. De telle sorte qu’ici l’action, malgré les apparences, n’est jamais qu’un moyen au service de la contemplation, alors que partout ailleurs l’action créatrice vaut par son efficacité même, ce que nous pourrions exprimer – à condition de détourner un peu les mots de l’acception que leur avait donnée Aristote – en disant que l’action de l’artiste est proprement poétique, mais qu’elle n’est jamais y a plus si l’art nous paraît résider avant tout dans une création, ce n’est pas parce qu’il ajoute au monde réel un autre monde où notre imagination et notre sensibilité trouvent une satisfaction plus parfaite, c’est parce qu’il donne au monde réel un caractère de nouveauté, c’est parce qu’il nous oblige enfin à le percevoir, c’est qu’il nous le montre tel qu’il était toujours sans que nous l’ayons jamais su. Il est bien vrai qu’il surgit alors dans notre représentation comme si c’était nous qui le produisions. Pourtant, il y a toujours dans la création au moment où elle sort elle-même du néant et des ténèbres, le mystère et l’effort d’un arrachement. L’émotion qui l’accompagne est d’un autre ordre que l’émotion esthétique elle est plus violente et plus trouble. Mais l’émotion esthétique accompagne le créé ; il y a en elle une possession plus tranquille et plus apaisée. Elle ne naît du jeu des passions que quand, à l’intérieur de ce jeu lui-même, viennent s’introduire l’harmonie et la sécurité. Mais alors, le caractère de nouveauté inséparable de l’œuvre d’art change de sens loin d’exprimer cet accès dans l’être d’une forme d’existence jusque là inconnue, loin de traduire cette mobilité infinie qui empêche l’humanité de remettre jamais ses pas dans les traces de ses anciens pas, elle serait le signe au contraire d’un retour vers une réalité que nous n’avions pas quittée mais avec laquelle nous avions perdu contact et que nous retrouvons tout à coup avec une sorte d’émerveillement. L’art, c’est le monde reconnu ; c’est le même monde que celui où nous avons toujours vécu, mais qui cesse de nous être étranger, qui répond à toutes les puissances de notre âme et coïncide avec leur exercice. C’est pour cela qu’il est toujours nouveau, non pas de cette nouveauté instable et, inquiète qui ne nous donne qu’un ébranlement de surface, mais de cette nouveauté si claire et si profonde que revêt à chaque fois notre propre maison quand nous en avons vécu longtemps séparé et que le moindre objet qu’elle contient acquiert pour nous plus de profondeur et plus d’éclat que tous les trésors de la fable. Ainsi l’art n’invente rien ; il nous montre dans la moindre parcelle de ce qui nous est donné une richesse qui suffit à nous combler. Il introduit dans le temps lui-même la dimension de l’éternité ; c’est elle qui donne à chaque objet, dès que l’art l’a touché, une inaltérable nouveauté. Ainsi, quels que soient les efforts d’invention et de création de l’artiste pour dépasser le monde qu’il a sous les yeux et nous faire pénétrer dans un monde qui est son ouvrage, ces efforts n’aboutissent que s’ils produisent un spectacle dans lequel nous retrouvons le réel qui jusque là nous avait toujours échappé, de telle sorte que toute invention doit venir se résoudre dans la découverte même de ce qui est, et toute création, dans la présence du réel qui tout à coup nous est lors, tout le mystère pour nous est de savoir pourquoi nous ne pouvons prendre possession des choses qu’à travers cette apparence que nous créons et qui semble pourtant nous en éloigner. C’est le moment maintenant de réaliser la synthèse de ces deux caractères qui sont indissolublement unis dans l’art à savoir qu’il détache le spectacle du réel de toutes ses servitudes, c’est-à-dire de l’habitude et du besoin, et qu’en créant ce spectacle, il lui donne une éternité toujours renaissante. Tout d’abord, nous pouvons dire que le caractère propre de l’art, c’est en effet de produire une apparence ; mais nous donnerons à ce mot son sens le plus fort. C’est dans l’art seulement que le réel nous apparaît, mais pour cela il faut que nous donnions a cette apparence une réalité séparée jusque là le réel nous rassurait par une présence obscure que nous n’avions pas besoin d’actualiser ; l’art, au contraire, nous oblige à le faire. Il isole l’apparence des choses afin de montrer qu’en effet elles nous apparaissent. Mais il y a plus, les choses ne nous sont jamais présentes par elles-mêmes pour qu’elles le deviennent, il faut que nous nous les rendions nous-mêmes présentes. Et même on peut dire qu’il n’y a pas d’autre présence que la présence de l’esprit. à lui-même. Cette présence se réalise par une activité qu’il dépend de lui d’exercer. C’est par elle que la réalité nous deviendra présente à son tour. Mais il y faut l’attention la plus désintéressée et la plus pure. Et nous savons à quel point l’activité de l’esprit est vacillante et prompte à fléchir ; elle se repose sur l’objet, dès qu’elle croit l’avoir rencontré et cesse d’y appliquer son effort. Elle le perd presque aussitôt qu’elle l’a trouvé. Or, rien ne peut être présent pour nous que dans l’acte même par lequel nous réalisons cette présence. Mais cet acte peut-il demeurer purement intérieur ? Nous consentons à reconnaître que chez certains esprits d’une vigueur singulière, chez tous les hommes dans certaines minutes bienheureuses, chez l’artiste dans ce moment chargé d’une émotion incomparable où la possession et la jouissance du réel ont pour lui tant de plénitude et de perfection que le pinceau lui tombe des mains, la création artistique peut paraître fragile et inutile la présence même du réel nous est livrée alors sans intermédiaire avec une beauté surabondante qui nous ôte la puissance d’agir. Seulement, cette révélation est elle-même rare et évanouissante ; quand elle nous manque, nous cherchons à la susciter et à la produire ; nous cherchons à la maintenir quand elle commence à nous fuir. Nous voulons pouvoir la retrouver nous-même quand nous l’avons perdue, nous voulons la suggérer à ceux qui ne l’ont pas et leur communiquer un bien dont nous les croyons appelés à jouir avec nous. C’est alors que la main vient au secours de l’esprit. Mais il se produit alors un phénomène admirable, c’est que la main ne se contente pas de prolonger l’action de l’esprit, d’immobiliser la vision du réel qu’il nous a donnée de manière à nous en assurer une possession stable et qui nous permet d’en disposer. Il faut dire que la main oblige l’esprit à exercer toutes ses puissances elle réveille son attention et l’invite sans cesse à se tendre ce projet qu’a le peintre de capter le réel sur sa toile comme un spectacle pur ravive son regard, lui donne plus d’acuité et de délicatesse et le contraint à dégager du réel le spectacle même dont l’esprit ne peut prendre possession que dans une sorte de circulation ininterrompue entre l’œil et la main, où chacun d’eux renvoie vers l’autre et l’incite à se dépasser. On peut bien dire du peintre que ce qu’il est capable de voir est la mesure de ce qu’il est capable de peindre. Mais l’inverse est vrai plus qu’on ne le croit, ce qui justifie en partie tous ceux qui veulent réduire l’art à la technique. Ainsi, on ne s’étonnera pas que notre vision du réel s’enrichisse au cours même des efforts que nous faisons pour la fixer à travers les maladresses de l’exécution nous reconnaissons aussi les insuffisances de la vision et tant que l’œuvre n’est pas terminée, nous ne cessons de les dire que dans l’œuvre d’art l’esprit s’est reconnu ; il se donne là le spectacle de lui-même en même temps que le spectacle des choses et la perfection de l’art se trouve atteinte au moment où ces deux spectacles n’en font qu’un. Le jeu de l’émotion esthétique, c’est le jeu de leur coïncidence tour à tour perdue et retrouvée. L’art est le moyen qui permet à l’esprit de se mirer pour ainsi dire dans le réel et c’est pour cela que le réel devient pour lui intelligible, non pas seulement d’une intelligibilité abstraite comme celle de la science qui nous permet de le dominer par une loi, mais de cette intelligibilité sensible par laquelle il devient aussi l’objet de notre vouloir et l’expression de notre vie. C’est en composant le réel que l’art l’appréhende ; mais par là il se rend le réel présent en devenant lui-même présent au cœur du réel, de telle sorte que l’on ne sait plus dire s’il se l’est incorporé ou s’il est incorporé à lui. Car le réel n’est plus pour lui que l’esprit réalisé ce qui permet d’expliquer ce caractère que nous avons reconnu d’abord dans l’œuvre d’art de nous donner une satisfaction qui nous comble car elle est en elle-même finie, achevée, mais elle retient toute l’attention de l’esprit qui ne songe pas à la quitter, à s’en évader, qui ne cesse de circuler en elle, parce qu’elle renouvelle toujours son propre mouvement sans 1’épuiser jamais. C’est dire encore qu’elle enclôt l’infini dans le fini, et par là nous montre comment l’esprit et le réel parviennent à coïncider car le caractère du réel, c’est comme on le voit dans l’objet le plus humble, de donner prise à la multiplicité infinie de visions différentes, mais de les surpasser toutes. Or, le propre de l’art c’est de n’en réaliser qu’une, de nous proposer telle vision particulière que tel artiste en a eue dans telle circonstance et à tel moment. Mais dans cette vision, l’esprit s’est emparé du réel, il nous révèle sa présence qui jusque là nous avait été refusée ; par l’intermédiaire de la vision d’un autre, l’art nous découvre la nôtre et ne cesse de l’enrichir. Bien plus, il produit dans la conscience du spectateur une multiplicité infinie de suggestions différentes qui peuvent toujours aller au-delà de ce que l’artiste a lui-même senti, pensé et voulu. Ainsi, c’est l’œuvre la plus individuelle à la fois par son objet et par le génie de son auteur qui éveille le plus de résonances dans toutes les consciences, c’est-à-dire qui a le plus d’universalité. Et comme le propre d’une esquisse, c’est de nous laisser assez de liberté pour que nous puissions l’achever d’une infinité de manières, le propre du chef-d’œuvre, c’est de s’offrir à la même liberté dans la perfection d’un achèvement qui est bien loin de la borner puisqu’au contraire elle ne parviendra jamais à l’ nous venons d’observer que l’art doit composer le réel pour nous en donner la présence. N’est-ce point de nouveau ramener l’essence de l’art à une démarche inventive et créatrice et subordonner en lui la contemplation à l’action ? Mais peut-être pourrait-on montrer que composer le réel, c’est beaucoup moins être capable de le produire qu’être capable de le percevoir. Ou du moins, nous ne parvenons à le produire que selon les lois qui nous ont permis de le percevoir. Car c’est seulement quand nous avons découvert les lignes de structure du réel que nous sommes capable de le reconstruire faute de quoi notre construction elle-même s’écroulerait. Mais il y a plus ce n’est pas parce qu’il est construit par nous que le réel présente pour nous un caractère esthétique ; c’est parce qu’en le construisant, nous obligeons le regard à découvrir les proportions qui le soutiennent et qui lui permettent de subsister. 14Mais pour cela il serait bon d’étudier les arts qui ne sont point à proprement parler des arts d’imitation comme ceux auxquels nous paraissons avoir attaché jusqu’ici une sorte de privilège et de considérer par exemple l’architecture, la poésie et la musique, c’est-à-dire des arts dans lesquels il ne s’agit pas de nous livrer la présence d’une réalité préexistante, mais de créer une réalité nouvelle par une action qui la devance et qui doit, semble-t-il, expliquer tous ses caractères, en particulier le plaisir esthétique qu’elle nous donne. Ici, on discerne mieux que partout ailleurs le rôle d’une activité intellectuelle et volontaire qui en composant entre eux de purs rapports, donne l’être à des édifices de pierres ou de sons qui n’ont trouvé hors de notre esprit aucune espèce de modèle. Il n’y a point d’arts qui soient plus instructifs pour le philosophe, ni qui lui fournissent un si beau sujet de méditation, puisque dans chacun d’eux nous voyons l’esprit, par son mouvement propre et par les combinaisons qu’il invente, chercher à ébranler la sensibilité et pour ainsi dire à en disposer c’est lui qui calcule et mesure par avance tous les effets qu’il pourra produire en elle. Nous nous trouvons même ici au nœud de tous les problèmes philosophiques, au point où la destinée de l’art fait corps avec celle de l’homme et de la civilisation tout entière, s’il est vrai que la conscience résulte toujours de la rencontre mystérieuse de l’activité et de la passivité en nous et qu’il ne peut point y avoir pour elle de conquête plus haute que celle qui consisterait à ne plus subir d’autre passivité que celle qu’elle s’imposerait par son activité même. Or on ne peut douter que ce ne soit là en effet la fin propre de l’art il est cette exceptionnelle réussite qui nous permet au prix de beaucoup d’efforts, de réconcilier ce que nous voulons avec ce que nous éprouvons. Et c’est pour cela qu’il éclaire notre pensée au lieu d’avoir besoin d’être éclairé par elle. Mais il y a là pourtant un caractère qui est commun à tous les arts et non pas seulement propre à quelques-uns. Car les arts d’imitation mettent en jeu eux aussi une activité réglée par laquelle ils cherchent à atteindre la sensibilité et à l’émouvoir. Seulement, c’est pour nous faire retrouver une présence qui, dans l’architecture et la musique, n’aura été l’objet d’aucune expérience et sera par conséquent une présence produite par l’art lui-même, une présence créée. Ce qui permettrait de considérer ces arts comme plus purs en quelque sorte que tous les autres, puisqu’au lieu de prendre la nature pour soutien, ils ne connaîtraient point d’autre nature que celle dont ils seraient eux-mêmes les lors on pourrait se demander s’il est encore possible de les regarder comme une révélation du réel. En eux, tout dépend du propos et de l’artifice, et la sensibilité se fait juge de l’activité qui a produit tel ouvrage sans s’interroger sur sa puissance évocatrice par rapport à une réalité qui n’a point de ressemblance avec lui. Cependant, une telle opposition nous inspire quelque défiance, d’abord parce qu’il serait onéreux de rompre inutilement la solidarité entre les différents arts, ensuite parce qu’on pourrait alléguer aussi, et on n’a pas manqué de le faire, l’existence d’une peinture pure qui devrait nous apporter une satisfaction indépendante de toute relation avec l’objet qui lui a servi de modèle, enfin, parce que les arts qui paraissent ajouter le plus à la réalité sont ceux qui sont le plus rigoureusement soumis à ses lois. Ce que l’on comprendra facilement si l’on réfléchit que la peinture la plus imparfaite et le plus mauvais dessin réussissent encore à évoquer les délinéaments du réel, et qu’il peut toujours y avoir en eux quelque faux-semblant, au lieu qu’un édifice architectural ou musical qui ne tiendrait pas le compte le plus exact des lois de la pesanteur ou de celles de l’oreille s’écroulerait sans pouvoir être sauvé il peut montrer leur souplesse, ruser avec elles, témoigner que leur action s’exerce encore là où il semble les défier, mais ce sont elles qui assurent la solidité de l’édifice, qui lui donnent du même coup son caractère réel et son caractère esthétique. Et c’est seulement lorsqu’il acquiert un caractère esthétique qu’il nous découvre la présence même de ces proportions qui sont comme le réseau dans lequel la réalité demande à être saisie. Les pierres et les sons ne sont plus ici que des instruments ou des véhicules. La réalité dont ils nous donnent la présence par leur assemblage, c’est celle d’un ordre dont on peut bien dire que l’artiste le produit, mais dont il est plus vrai encore de dire qu’il le découvre et qu’il cherche seulement à le manifester. Voici donc des arts qui, bien qu’ils demandent plus qu’aucun autre à la matière et au sensible, sont cependant les plus abstraits de tous, puisqu’ils ne portent que sur des rapports. Nous saisissons ici l’activité de l’esprit dans son pur exercice dans son pouvoir proprement inventif, dans la faculté qu’elle a d’introduire dans le monde des créations absolument nouvelles. Ce n’est là pourtant qu’une apparence. Ou du moins, nous avons affaire maintenant à une conjugaison subtile de l’esprit et du réel qui fait que l’invention la plus hardie ne fait qu’un avec une découverte obtenue et que la création la plus originale se dénoue en une nécessité contemplée. On peut sur ce point invoquer les témoignages de la conscience qui invente ou qui crée aussi longtemps qu’elle garde encore l’impression d’ajouter au réel, c’est qu’elle ne l’a pas atteint, elle est encore dans la période des essais, elle n’a pas dépassé l’horizon de sa propre subjectivité. Mais les plus grands de tous les artistes savent bien que quand ils trouvent, c’est qu’ils sont allés au delà de l’invention elle-même. Les mots de juste, de pur ou de parfait n’ont de sens que pour évoquer une rencontre du réel que nous n’avions encore qu’approché et qui ne donne à l’esprit tant de sécurité et de certitude que parce qu’il perçoit enfin dans ce qui est la raison même de ce qui le fait voit bien maintenant quel est le caractère de l’art. C’est bien de nous donner la présence même du réel, et par conséquent de nous en apporter la révélation. Mais il ne peut y réussir qu’en le figurant, à la fois parce que c’est ainsi qu’il réussira à le délivrer de toutes ces préoccupations pratiques qui le recouvrent et le dissimulent et par suite à le transformer en un spectacle pur, – et parce que, pour le figurer, l’esprit s’oblige à le composer selon les lois intérieures qui lui permettent de subsister et par là le pénètre et en prend possession. Dans l’art, on peut dire également que le réel devient tout entier transparent pour l’esprit et qu’il n’y a pas un seul de ses éléments qui ne soit un point d’application pour l’une de ses opérations. Alors, le réel devient la véritable patrie de l’esprit. Ce que l’on comprend aisément si l’on songe d’une part que l’art n’a d’existence que pour l’esprit et dans l’esprit, puisque l’objet qui produit en nous l’émotion esthétique la plus vive peut être décrit par un indifférent comme l’objet le plus commun sans que rien lui soit retranché et, d’autre part que, cet objet, dès que l’art s’en retire, se change aussitôt en un obstacle ou en un moyen, c’est-à-dire perd sa réalité propre et ne peut plus être appréhendé comme un simple spectacle. Mais là où est le réel, et là où est notre esprit, c’est là aussi qu’est notre vie véritable. L’art n’est donc pas une évasion. L’artiste le sait bien qui considère la vie commune comme n’ayant point d’autre rôle que de lui permettre l’accès dans un monde plus lumineux où les choses acquièrent leur juste relief et leur véritable valeur il n’a point deux vies séparées car sa vie commune est toute pénétrée par 1’autre qui n’en exprime que la suprême réussite et pour ainsi dire 1’extrême pointe. Comme il n’y a point de lumière sans ombre, l’art forme contraste avec la banalité ou la laideur des événements quotidiens ; mais c’est qu’il est inséparable d’un regard qu’il dépend de nous de diriger, d’une activité qu’il dépend de nous de mettre en œuvre, et pour tout dire d’une responsabilité qu’il dépend de nous d’assumer à l’égard du monde. Alors, il n’y a plus rien de réel dans le monde qui, en nous découvrant sa signification, ne nous découvre aussi sa beauté. C’est au point même où elles nous montrent leur beauté que les choses nous découvrent aussi leur réalité. Et c’est pour cela que l’esprit le plus profond est celui qui voit dans le monde le plus de choses belles. On voit donc combien Platon avait tort de chasser les poètes de la République en leur reprochant d’embellir les choses laides les poètes ne changent l’apparence des choses que parce qu’ils découvrent leur essence secrète. Et s’il est vain de vouloir subordonner l’art à la moralité, nous savons pourtant qu’il existe une beauté morale dans laquelle le bien, cessant d’être une pure intention du vouloir, devient lui aussi une présence manifestée. Notes [1] Ce texte est celui d’une conférence faite en Roumanie et dont la traduction roumaine a été publiée en 1938.

Ilsert à enseigner l’histoire, présente, passée et future. Il sert à divertir, réfléchir, confronter, discuter, critiquer. Il ne laisse personne indifférent. L’art sert à enrichir nos connaissances, à notre évolution, à nous faire rire, pleurer et à exprimer plusieurs émotions. Même la

Vers une Nouvelle Santé... Avec l'arrivée de l'Ere Nouvelle l'être humain saisit les Trésors de la Terre et leur utilisation pour le maintien en bonne Santé. S'ils s'adaptent à l'immense Mouvement des Courants Vitaux sacrés, alors les êtres humains retrouveront la Santé. L'Art de la Santé consiste notamment à trouver la Force de Guérison dans toutes les plantes. La Santé Naturelle, ça s'apprend ... Naturellement! Le véritable Art de Guérir ne s'apprend pas. S'installer sur une Hauteur peut aider à retrouver la Santé. Vivre en plein air confère Fraîcheur et Santé. "Fais du bien à Ton corps pour que Ton âme ait le désir d'y demeurer..." - Proverbe Indien - Rechercher Sur L'art De Vivre Sain Recherche Newsletter L'Art de Vivre Sain Découvrez les Lois et les Principes de L'Art de Vivre Naturellement en Bonne Santé! Archives Articles RÉCents Pages De L'art De Vivre Sain Catégories Inscrivez-Vous À La Newsletter Abonnez-vous pour être averti des nouveaux articles publiés. Liens

Biensûr, l’art ne parle pas à tout le monde. Serge Gainsbourg, lors de son altercation avec Guy Béart, a donné une classification des arts qu’il a scindé en deux catégories : les arts mineurs et les arts majeurs. Selon lui, les arts majeurs correspondent à ceux que seuls les initiés peuvent comprendre : la peinture, la poésie, l’architecture, le classique. Les arts mineurs sont

La Foire internationale d'art contemporain Fiac, qui s'ouvre jeudi à Paris, illustre plusieurs des travers dénoncés par les pourfendeurs de ce milieu. Des critiques qui ne sont pas toutes rejetées par les acteurs de ce marché jeudi 18 au dimanche 21 octobre se tient "l'événement le plus drôle de Paris", du moins aux yeux de l'animateur Pascal Praud la Fiac, la grande foire d'art contemporain qui investit chaque année le Grand Palais à Paris. Fervent défenseur du "bon sens", le chroniqueur télé ne manque pas une occasion de qualifier l'art contemporain de "plus grande escroquerie de notre époque", et avait raillé la Fiac en 2014, sur RTL, expliquant qu'on pouvait y voir "des gogos blindés jusqu'à l'ISF ... se pâmer devant une sculpture représentant une crotte de chien". >> VIDEO. Vous êtes totalement hermétique à l'art contemporain ? Ces quatre œuvres pourraient bien vous faire changer d'avis. Il n'est pas le seul à avoir ce point de vue. L'événement, destiné à la fois aux collectionneurs et aux curieux, cristallise chaque année toutes les critiques habituelles entendues au sujet de l'art contemporain. Elles reviennent dans la bouche de nombreux sceptiques, qu'ils soient hermétiques à l'art en général ou plus particulièrement fanatiques des peintres et sculpteurs des siècles précédents. Et peut-être que vous-même, qui lisez cet article, en faites partie. Nous avons tenté de répondre à six affirmations très répandues quand il s'agit de pourfendre l'art contemporain, et de déceler leur part de vérité ou de caricature. "Je ne vois pas pourquoi je devrais aimer des œuvres moches" Vous l'avez remarqué les artistes contemporains ne cherchent plus forcément à faire du beau. La journaliste et critique d'art Elisabeth Couturier reconnaît elle-même que la beauté "n'est pas ce qu'on attend en priorité" dans le milieu. "On espère surtout d'une œuvre qu'elle nous questionne, nous déstabilise". Vous pouvez ne pas partager cet avis, mais il est largement répandu chez ceux qui font l'art contemporain, ceux qui l'exposent et ceux qui le recommandent dans les médias. Cela dit, l'art contemporain n'a pas inventé cette démarche. Prenez Gustave Courbet, un peintre du XIXe siècle que vous appréciez sans doute – c'est en tout cas le cas de nombreux détracteurs de l'art contemporain. Vous trouvez peut-être son œuvre "belle" par sa maîtrise de la peinture, mais "quand il a peint Un enterrement à Ornans, un tel réalisme était considéré comme ce qu'il y avait de plus laid", explique Elisabeth Couturier. "On pensait que l'art devait transcender la réalité". Mais si vous cherchez la beauté, elle existe toujours. Jean Blaise, créateur du parcours d'art contemporain Le Voyage à Nantes, cite en exemple le Serpent d'océan du Chinois Huang Yong Ping, installé en 2012 à Saint-Brévin Loire-Atlantique. Dans l'esprit de l'artiste, ce squelette de serpent qui entre et sort de l'eau au rythme des marées "venait nous annoncer de très mauvaises nouvelles pour la planète". "Mais en plus de donner un message, c'est une œuvre époustouflante, qui a très vite été adoptée par tout le monde", se souvient-il. Et à l'inverse, faire du "moche" a parfois un sens. Ainsi, en 2009, Jean Blaise cherche une œuvre à disposer face à la nouvelle école d'architecture de Nantes "En voyant ce très beau bâtiment, on s'est dit qu'il serait plus intéressant de le provoquer", plutôt que d'installer une statue qui se serait fondue dans le décor. Son équipe choisit le collectif néerlandais Van Lieshout, qui conçoit "une espèce de gros chewing-gum bleu layette", tranchant avec la perfection moderne de l'école. "Jean-Marc Ayrault [alors maire de Nantes] n'a pas du tout adoré, parce que ça venait perturber un magnifique travail. Mais, après une longue discussion sur le rôle de l'art, il a fini par comprendre notre démarche et accepter". Ce qui montre que vous n'êtes pas le seul à être sceptique, mais qu'on peut revoir ses positions. "Ma fille de 5 ans pourrait faire aussi bien, et moi aussi je pourrais m'y mettre" Si ce que vous admirez dans l'art, c'est le don du Caravage pour peindre la lumière, on peut comprendre que vous restiez perplexe face à une toile entièrement recouverte de blanc, ou que vous envisagiez d'orienter vos enfants vers une lucrative carrière de peintre minimaliste. Même si les monochromes apparaissent dès le début de XXe siècle, et ne sont donc pas une invention contemporaine, ils illustrent bien ce qui dérange beaucoup de monde au sujet de l'art contemporain une forme de simplicité. Mais "essayez, vous verrez, ce n'est pas si facile de peindre un monochrome", prévient Béatrice Joyeux-Prunel, maître de conférences en histoire de l'art contemporain à l'Ecole normale supérieure de Paris. Ces toiles se distinguent les unes des autres par un travail sur la géométrie, la texture ou la teinte de blanc, qui n'est jamais totalement pure cette vidéo de Vox, en anglais, vous en dira plus. Mais leur intérêt réside aussi dans la démarche de l'artiste. Eh oui, "tout le monde peut avoir l'idée d'un monochrome, mais encore faut-il le faire", estime Béatrice Joyeux-Prunel, et, a priori, ce n'est pas votre cas. Et si, demain, vous tentez de vendre à un galeriste une toile simplement couverte de peinture blanche par vos enfants, il n'est pas sûr qu'il l'achète. "Pour que ce soit considéré comme de l'art, il faut que ce soit adoubé par le milieu", estime Elisabeth Couturier, qui a écrit Art contemporain le guide Flammarion, 2015. Et cette reconnaissance des musées ou de la critique est attribuée quand ceux-ci voient que "l'artiste reprend le fil de l'histoire, qu'il emprunte les chemins ouverts par d'autres plasticiens avant lui et qu'il les ouvre encore plus". En clair, qu'il apporte quelque chose de nouveau. Prenez par exemple Fontaine, l'œuvre la plus célèbre du plasticien Marcel Duchamp il s'agit d'un urinoir en porcelaine, renversé et signé par l'artiste. Vous aussi pourriez en acheter un dans le commerce et tenter de faire la même "œuvre". Mais en présentant cet objet dans une exposition à New York en 1917 – elle fut refusée –, Duchamp faisait preuve d'un culot révolutionnaire, qui a contribué à redéfinir ce qu'est une œuvre d'art, et continue d'influencer des artistes actuels. C'est la démarche qui en fait une pièce majeure. Aujourd'hui, il est donc totalement accepté dans le milieu de l'art de présenter des œuvres qui ne demandent pas de technique de la part de l'artiste. Et elles peuvent être saluées par la critique. Elisabeth Couturier prend pour exemple Mathieu Mercier, un plasticien français contemporain, auteur d'une série d'installations, Drum & Bass, "qui ne sont faites qu'avec des objets que vous pourriez acheter dans un magasin de bricolage. Mais quand vous les regardez, vous êtes comme devant un tableau de Mondrian", dont vous avez sans doute déjà vu sans forcément le savoir les quadrillages minimalistes et colorés. "Quand on se prend au jeu, on comprend qu'on peut faire des figures avec autre chose qu'un pinceau et de la couleur." "Vous faites semblant de trouver ça profond, mais ça n'a aucun sens" Vous aviez peut-être beaucoup ri en lisant qu'en 2016, un visiteur du musée d'art moderne de San Francisco avait posé ses lunettes sur le sol et que certains visiteurs avaient cru qu'il s'agissait d'une œuvre. S'il est juste un blagueur, est-ce aussi le cas de Marcel Duchamp et de son urinoir ? "On peut croire que c'est un escroc, mais il y a des bibliothèques entières remplies d'auteurs qui ont passé leur vie à contempler son génie", balaye Elisabeth Couturier. "Ça veut quand même dire qu'il a touché quelque chose. Il a ouvert des milliers de perspectives". Andy Warhol, dont le travail repose grandement sur le fait d'exposer comme des œuvres d'art des objets emblématiques de la société de consommation, n'aurait pas existé si Duchamp n'avait pas redéfini ce qui peut être une œuvre. Vous aurez donc du mal à convaincre des générations d'historiens que l'urinoir de Duchamp n'a en fait aucun sens. Mais il arrive bien sûr aux défenseurs de l'art contemporain eux-mêmes de trouver certains artistes, pourtant reconnus, totalement inintéressants. Stéphane Correard, qui tient lui-même un salon de galeristes, n'est par exemple pas convaincu par le travail de Daniel Buren, l'auteur des fameuses colonnes installées dans la cour du Palais-Royal à Paris. "Il a un discours théorique très fort, mais en réalité, son travail s'est 'spectacularisé' au fil des années, et aujourd'hui c'est devenu purement de la décoration", estime-t-il. Comme pour la musique ou le cinéma, vous pouvez donc parfaitement trouver sans intérêt un artiste reconnu. Stéphane Corréard résume "Il y a des choses qu'on aime et d'autres, non. Ce qui n'a pas de sens, c'est d'être pour ou contre l'art contemporain dans son ensemble". "Je ne veux pas avoir besoin d'une notice pour comprendre les œuvres" Vous n'êtes pas le seul le sujet déchire aussi les amateurs d'art contemporain. "Dans les écoles d'art, le discours d'un artiste sur son travail a presque plus d'importance que le travail lui-même", déplore ainsi Stéphane Corréard. "Pour moi, la vérité d'une œuvre doit se trouver dans l'œuvre elle-même. Ça doit rester quelque chose qu'on pourrait redécouvrir plusieurs siècles après et comprendre." Quelle quantité d'informations faut-il donner au spectateur ? La taille des cartels qui accompagnent les œuvres varie considérablement selon les musées. "Il faut donner quelques clés, mais aussi faire comprendre que ce n'est pas le plus important. Quand on a appris à approcher l'art, les clés, on va les chercher soi-même", estime Jean Blaise, qui a passé sa carrière à installer l'art contemporain dans l'espace public. D'autant qu'une œuvre n'a pas forcément qu'un sens, déterminé par l'artiste. Pour Elisabeth Couturier, "une œuvre forte évoque des tas de choses, que l'artiste a parfois mises inconsciemment". Et il arrive qu'il n'y ait rien de particulier à comprendre. "Un artiste comme James Turrell fait appel au corps et aux sens", avec ses pièces vides où il joue sur la lumière, explique la critique d'art. "Vous entrez et vous êtes immergé dans une ambiance de couleur, du bleu, du noir. Vous ne voyez plus les arêtes de la pièce, il vous fait perdre vos repères, vous osez à peine marcher. C'est magnifique". "Tout ça ne sert qu'à faire de l'argent" Sans doute que la Fiac, avec ses 193 stands où les œuvres sont à vendre, n'est pas l'événement qui vous convaincra du contraire. Stéphane Corréard trouve étonnant que "le principal événement d'art contemporain dans l'année soit une foire marchande". Dans le milieu de l'art, "la légitimité apportée par le marché a dépassé celle apportée par les conservateurs de musées", s'inquiète d'ailleurs le critique et collectionneur. Etre vendu cher fera plus de bien à la carrière d'un artiste que d'être admiré par les musées, qui finissent par suivre les collectionneurs Stéphane Corréard relève que le Centre Pompidou à Paris expose "à 90% des stars du marché". Vous n'avez donc pas tort en imaginant que l'argent influence au moins une partie de l'art contemporain. Même le très connu et très politique street-artist Banksy n'échappe pas au fait que ses œuvres soient vendues aux enchères – et quand il met en scène l'autodestruction d'une de ses toiles, elle prend de la valeur. Pour les artistes, il devient difficile de se faire un nom et de vivre de leur art sans plaire aux grands collectionneurs, "des multimillionnaires qui n'ont pas forcément une ouverture artistique énorme", précise Stéphane Corréard. "Si les musiciens devaient être financés par Bernard Arnault ou François Pinault [deux milliardaires français et mécènes importants de l'art contemporain], poursuit-il, le hard rock ou le rap existeraient-ils ?" Les critiques voient surgir des artistes "qui défraient le marché et dont on se demande pourquoi ils sont mis en avant", estime Elisabeth Couturier, si ce n'est qu'ils plaisent à ceux qui ont les moyens de les acheter. Elle se souvient notamment des "formalistes zombies", des peintres abstraits à la mode en 2014 "et qui ne valent plus un clou aujourd'hui". Leurs tableaux ne portaient aucune idée forte mais étaient "parfaits pour les décorateurs", résume le New York Magazine. Mais avant de rejeter l'art contemporain parce qu'il aurait vendu son âme, sachez tout de même que tout cela n'est pas nouveau. Auteure de Les Avant-gardes artistiques. Une histoire transnationale, Béatrice Joyeux-Prunel rappelle que nombre de ces mouvements d'avant-garde "ont pu innover parce que les artistes vendaient une production plus classique à côté", tel Monet, envoyé peindre des vues sur la Côte d'Azur parce qu'elles plaisaient aux collectionneurs américains. En revanche, ce phénomène prend aujourd'hui des proportions jamais vues dans le cas de certains artistes les plus chers du monde. La production de Damien Hirst ou Jeff Koons s'est transformée en une industrie qui emploie des dizaines de personnes, pour satisfaire la demande. "Je pense qu'ils sont aujourd'hui plus proches de ce qu'est une maison de couture qu'un artiste", estime Stéphane Corréard des marques qui produisent de façon créative, mais pour vendre à des clients fortunés. Il imagine même un futur où ces stars auraient "vocation à être remplacées un jour, à la tête de leur griffe, par de jeunes stylistes qui apporteraient de nouvelles idées". La métamorphose de certains artistes en marques, que vous pouvez déplorer, serait alors complète. "On ne se souviendra jamais de ces artistes comme on se souvient de Van Gogh aujourd'hui" Cela, vous n'en savez rien, et les professionnels de l'art non plus. "Moi-même, je me pose souvent cette question", admet Jean Blaise. "Je pense qu'on ne sait pas lesquels des artistes contemporains resteront à la postérité". Ce qui est sûr, c'est que l'art contemporain a un handicap par rapport aux courants qui l'ont précédé il est contemporain, justement, et le "tri" de l'histoire, qui permet de distinguer les grands artistes des autres, ne s'est pas encore fait. "A l'époque de Van Gogh, il y avait des centaines de Van Gogh, en moins bons", s'amuse Elisabeth Couturier. Mais ils sont tombés dans l'oubli, et vous ne les voyez pas sur les murs des musées. De plus, vous n'ignorez sans doute pas que parmi les artistes entrés au Panthéon de l'art, beaucoup étaient aussi très critiqués en leur temps. "A une époque, 99% des gens pensaient que Picasso n'était pas un artiste", rappelle Jean Blaise. "Aujourd'hui, quand je regarde les personnes en train de faire la queue pour admirer la dernière exposition Picasso, je me dis qu'à l'époque, elles auraient sans doute détesté".

Aumoins cette candidature aura servi à quelque chose Le retour de Manuel Valls sur la Lire la suite. Catégories Fun , Musique Étiquettes Alizee, Barcelone, Lolita, Manuel Valls. Cette professeure et ses élèves font une entrée très remarquée à l’école en dansant sur Thriller. 28 mai 2021 par malala. Cette professeure et ses élèves décident de danser en reprenant la

La morosité ambiante a tout enclenché. Les doutes de certains artistes, perplexes, soudain, face à l'inutilité de leur art. Que le cinéma se porte bien, c'est une évidence, et Cannes le prouve chaque année. Mais, au fond, sert-il encore à quelque chose ? Mahamat-Saleh Haroun. Photo Patrick Swirc / MODDS “Le cinéma saisit la vie avant la mort”, Mahamat-Saleh Haroun, cinéaste Notre relation au cinéma et à toute création est déterminée par notre propre histoire, notre passé, bref, notre vécu... Ainsi, le travail de certains écrivains, comme Primo Levi ou Imre Kertész tous deux rescapés des camps de concentration, tourne sans cesse autour de la Shoah - cette horreur. Dans mon cas, la traversée de la guerre civile au Tchad a été fondatrice. J'ai été blessé, j'en porte encore les stigmates. La guerre m'a projeté sur les routes de l'exil. Du coup, pour moi, le cinéma sert à préserver "les belles choses que porte le ciel" Dante avant la catastrophe. A capter la beauté des corps avant leur déchéance physique, à saisir la vie avant la mort. A poser les questions existentielles liées à la vie sur terre. Naître, vivre, mourir. Tel est le destin de l'homme. Tragique. Le cinéma sert à questionner cette tragédie humaine et à "fabriquer des souvenirs", comme dit Jean-Luc Godard. » Nathalie Dessay. Photo Patrick Swirc “La beauté, en général, nous sauve du désespoir”, Natalie Dessay, Cantatrice C'est précisément parce que le cinéma est inutile qu'il est beau. Si on y réfléchit, l'art ne sert à rien ce n'est pas lui qui fait respirer, manger, dormir. J'aime la réflexion de Woody Allen à un journaliste qui exaltait son oeuvre "C'est très gentil, mais si vous avez une fuite dans votre appartement, un plombier vous sera nettement plus utile que moi..." Si ce n'est que tout ce que je viens de dire est faux au final, la lecture, la peinture, la beauté, en général, nous sauvent du désespoir. Momentanément, du moins. Au cinéma, les images qui permettent d'entrer de plain-pied dans la tête d'un auteur nous rendent moins seuls. Et nous permettent d'oublier, un instant, la prescience de notre mort... Récemment, j'ai vu Birdman, d'Alejandro González Iñárritu. J'avais déjà aimé 21 Grammes et Babel, mais là... Rien que le premier plan, tenez un type en lévitation. On ne sait pas qui il est, pourquoi il est ainsi. C'est tout ce que j'aime un réalisateur qui sollicite, soudain, mon imaginaire. Celui qui me dit "1 + 1 = 2" ne m'intéresse pas. » Fabrice Luchini. Photo Jean-Francois Robert “Ce qu'est le cinéma pour moi un délassement”, Fabrice Luchini, comédien L'art utilitaire m'a toujours effrayé. Je me souviens, en 1969, me promenant dans une forêt de l'arrière-pays niçois, avoir rencontré deux maoïstes, tendance dure, à qui j'ai dû dire une banalité comme "Qu'elle est belle, la forêt, en cette saison !" L'un d'eux m'a répliqué "Tu es en pleine crise de disposition esthétisante, qui exalte ton comportement réactionnaire." Et l'autre a ajouté "Cette forêt ne deviendra belle que si elle chauffe la classe ouvrière"... Je vais vous dire ce qu'est le cinéma, pour moi un délassement. Au théâtre, j'ai un double souci ne pas trahir le sens profond du texte par excès de puissance vocale et, en même temps, me faire entendre des derniers rangs - un travail d'assouplissement musculaire assez brutal. Au cinéma, je ne fais plus d'effort physique je me laisse couler dans la couleur souhaitée par le réalisateur. Cela dit, j'ai toujours ressenti, sur un tournage, l'incroyable bonheur de vivre dans une communauté qui accepte de dépenser entre 3 et 10 millions d'euros pour rendre réel le rêve d'un artiste. Une société qui peut se le permettre est riche... Pour vous dire la vérité, même si je trouve que Marcel Pagnol, dans ses films, aborde des thèmes comparables à ceux de Sophocle, même si j'ai une passion pour Henri-Georges Clouzot, même si j'ai une admiration sans borne pour les comédiens d'avant-guerre, et même si je suis capable de voir cinq fois de suite Le Parrain, de Coppola, en m'extasiant, jamais le plus beau des films ne m'a donné le bonheur que m'apportent, encore aujourd'hui, Un cœur simple, de Flaubert, Voyage au bout de la nuit, de Céline, et A la recherche du temps perdu, de Proust. Roland Barthes disait que les images ne peuvent pas tout, contrairement aux mots. Il avait raison. » Benjamin Biolay. Photo Patrick Swirc “Le cinéma rappelle aux générations futures le génie de Marilyn”, Benjamin Biolay, chanteur, compositeur et comédien J'ai montré, un soir, Les 400 Coups à ma fille. Le choc qu'elle a eu ! Jusqu'à 5 heures du matin, elle a voulu voir L'Amour à 20 ans, Baisers volés, Domicile conjugal, L'Amour en fuite. Elle ne voulait plus lâcher Antoine Doinel ! La veille, elle ne jurait que par Ryan Gosling. Le lendemain, c'est l'affiche des 400 Coups qui était en fond d'écran sur son ordi !... Voilà, en fait, ce à quoi sert le cinéma rappeler aux générations futures la présence de Jean-Pierre Léaud. Ou le génie de Marilyn, ma star préférée... Quand j'entends dire qu'elle jouait mal, je deviens agressif, comme si on avait insulté ma mère. Qui plus est, à mes yeux, c'est l'une des plus grandes chanteuses de tous les temps. La seule Blanche qui sonne comme Ella Fitzgerald... » Véronique Cayla. Photo Lea Crespi/pasco “Il ouvre sur l'altérité. C'est un vecteur de tolérance”, Véronique Cayla, présidente du directoire d'Arte France Dans notre monde saturé d'images en tous genres, le cinéma ne devrait plus avoir ni de sens ni de place ? C'est tout à fait le contraire ! Dans ce monde où règnent l'immédiateté et la vitesse, il est une respiration, une parenthèse, comme un moment de suspension du temps. Milan Kundera dirait que le cinéma d'auteur renoue avec le plaisir de la lenteur et de la mémoire, contre l'instantanéité, l'instabilité et l'oubli... Un film est toujours le regard ciselé d'un artiste posé sur le monde, un geste réfléchi et construit sur une époque. Il est transfiguration du réel là où trop d'images sont dans la réalité immédiate, comme le flux déversé en boucle par les chaînes d'information. Il suffit de regarder Le Havre, d'Aki Kaurismäki, ou Timbuktu, d'Abderrahmane Sissako, pour comprendre la force évocatrice et poétique du cinéma sur les enjeux et les convulsions de notre époque. De même, Still the water, de Naomi Kawase, est emblématique de l'émotion universelle que peut procurer un film à travers un récit pourtant très personnel. Car le cinéma est par essence affaire de partage. Tandis que la plupart des images qui transitent sur Internet aujourd'hui replient, recroquevillent l'individu sur lui-même, le cinéma, au contraire, ouvre sur l'altérité, promesse de dialogue et d'échanges avec les autres cultures, et donc vecteur de compréhension mutuelle — et de tolérance. Là où le foisonnement des images rime souvent avec le rétrécissement de notre univers, le cinéma, lui, élargit notre champ de vision. » Fanny Ardant. Photo Patrick Swirc “Le cinéma, c'est la lumière dans le noir. Et sans lumière, on devient fou”, Fanny Ardant, comédienne et réalisatrice Mais pourquoi faut-il que le cinéma serve à quelque chose ? Quel est ce besoin de notre société de vouloir être utile à toute force ! Le cinéma, c'est la lumière dans le noir. Et sans lumière, on devient fou... Il nous indique un chemin, celui où il ne fallait pas aller, où il ferait bon d'aller, où il aurait été bon d'aller. J'ai toujours vu le cinéma comme une promesse. Chaque film en est une. Chaque salle que l'on ouvre, aussi. Et tant pis si, comme trop souvent, elles s'avèrent décevantes. L'essentiel, c'est la découverte. Dans une salle, sur un DVD, en VOD, que sais-je ? L'essentiel, c'est de suffoquer, brusquement, devant un plan, une réplique, un mouvement de caméra qui semblent n'avoir été imaginés que pour vous... Et tant pis si je ne vois pas que des chefs-d'œuvre. Quelle importance ? Seule la quête importe. L'attente. Être aux aguets. De même qu'on entretient son souffle en courant, on entretient sa curiosité en lisant ce que d'autres écrivent, en regardant ce qu'ils filment. Sinon, c'est la sclérose garantie. Celui qui dit "A quoi bon tel livre ? A quoi bon tel film ?" est déjà passé du côté des morts. Ou plutôt, il a mis définitivement une croix noire sur sa vie. » Harry Gruyaert. Photo Renaud Monfourny “Il me stimule. Son influence a été capitale”, Harry Gruyaert, photographe A me faire aimer la vie. J'ai une grande affinité sentimentale avec Truffaut. J'ai tellement été amoureux des actrices, celles de Bergman, par exemple. D'un point de vue esthétique, j'ai beaucoup appris en regardant les films d'Antonioni. Son sens des lieux, de l'architecture est tel que, quand il filme Rome, Barcelone ou Vienne, je perçois immédiatement la ville. J'espère qu'il en est de même dans mes photos. Le cinéma est pour moi bien plus important que la littérature, peut-être même plus important que la peinture. Il me stimule, m'apprend des choses. Son influence a été capitale. Et je ne peux imaginer vivre sans lui. Resterait alors un vide immense. » Edgar Morin. photo Denis Rouvre “Il ne nous sert pas nous nous servons de lui pour vivre poétiquement”, Edgar Morin, philosophe Luc Bondy. Photo Jean-Luc Bertini / Pasco “La mémoire du cinéma fait de chacun de nous des artistes”, Luc Bondy, Metteur en scène et directeur de l'Odéon-Théâtre de l'Europe Le cinéma ne sert à rien. Et il est indispensable. Comme le superflu. On comprend mieux certaines situations auxquelles on est confronté après les avoir vues au cinéma. La Prisonnière du désert de John Ford m'a beaucoup appris sur la séparation avec l'être aimé, et Eve de Mankiewicz sur l'ambition et la rivalité cachées de certains collaborateurs... Antonioni et Bergman m'ont aussi enseigné à grandir, à vieillir. Les émotions ressenties grâce aux images sur grand écran sont souvent tellement plus violentes. Comme un électrochoc dans la poitrine. C'est pour ça que je peste, parfois, contre l'accessibilité des films sur n'importe quel petit écran d'ordinateur ou de smartphone. Le choc se perd ! Mais couché, le soir, je ne peux pourtant m'empêcher de regarder encore et encore, sur ces mini-écrans, les chefs-d'œuvre qui m'ont nourri. Et appris à me souvenir... A l'internat, adolescent, nous nous racontions des nuits entières les films que nous aimions. Et en les racontant, finalement, on en inventait d'autres, on devenait créatifs. La mémoire du cinéma fait de chacun de nous des artistes. C'est essentiel. » Jacques Rancière. Photo Lea Crespi / Pasco “On y a appris, en somme, à être au monde”, Jacques Rancière, philosophe A quoi le cinéma sert-il encore ? Mais qui a jamais su, profits financiers mis à part, à quoi il servait exactement ? Du théâtre, on nous a dit qu'il était une assemblée du peuple; de la peinture, qu'elle nous mettait en présence du sacré, et de la culture qu'elle développait l'esprit critique. Le cinéma était trop peu de chose pour qu'on l'accablât de telles missions. Chacun a pu s'y laisser aller au plaisir des histoires et des images sans se demander si c'était de l'art, et répartir librement, en regardant sur une toile blanche des ombres qui lui montraient un monde semblable au sien, la part du simulacre et celle de la réalité. On y a appris à percevoir la singularité d'un regard collé à une fenêtre, d'un geste de complicité imperceptible, d'un mouvement qui cache l'émotion qu'il exprime. On y a appris, en somme, à être au monde. Certains voient cette éducation évanouie avec les grandes salles d'hier. Mais la nostalgie de ce qu'il n'est plus appartient au charme présent du cinéma ; la grâce des gestes et des émotions qu'il a créés est largement disponible sur ces écrans d'ordinateurs où certains voient sa mort. Et la surprise d'une image ou d'un son imprévu peut toujours advenir. Je pense à un film chinois Nezha, de Li Xiaofeng. Une salle de classe de la Chine profonde; une fillette, une nouvelle, qui débarque dans la classe, en amenant son pupitre. Une condensation d'immémoriales histoires d'enfance pauvre et d'un moment de l'histoire du monde. Le film se perd ensuite dans des règlements de comptes familiaux. Mais de beaucoup de films prompts à se perdre, il y a encore bien des moments d'émotion, de grâce et de surprise à extraire pour enrichir notre perception du monde. » Sélection officielle Cannes 2015 Festival de Cannes 2015 Benjamin Biolay Edgar Morin Fabrice Luchini Fanny Ardant Luc Bondy Mahamat-Saleh Haroun Véronique Cayla Partager Contribuer Sur le même thème

Lafonctionnalité de l'art n'est pas toujours la première chose qui vient à l'esprit lorsqu'on pense à l'art. L'art a généralement été considéré comme quelque chose à observer avec les résultats esthétiques à la base de toute appréciation, mais l'art décoratif contourne la simplicité de cet argument. L'art décoratif est défini comme n'importe lequel des arts concernés par

Erasmus fête ses 30 ans cette année. Le succès du programme ne se dément pas. La commissaire européenne aux Affaires sociales, Marianne Thyssen, désire même l’étendre. Et elle propose d’augmenter son budget de 400 millions d’euros sur 3 ans. Article réservé aux abonnés Journaliste au service Monde Publié le 26/01/2017 à 1746 Temps de lecture 3 min La Commission européenne le sait, le programme Erasmus est sa meilleure vitrine. Depuis trente ans, il a permis à neuf millions de participants de vivre une expérience à l’étranger. Une vraie success story », pour la Belge Marianne Thyssen, commissaire européenne à l’Emploi et aux Affaires sociales. Outre l’expérience humaine qu’Erasmus promet, ces séjours à l’étranger dopent également les CV. Ces jeunes ont appris à s’intégrer dans un milieu totalement nouveau où les gens ne parlent pas leur langue, explique la commissaire. Selon elle, un ancien étudiant Erasmus a deux fois plus de chances de trouver un travail dans la première année après son diplôme qu’une personne qui n’en a pas fait. Cet article est réservé aux abonnés Avec cette offre, profitez de L’accès illimité à tous les articles, dossiers et reportages de la rédaction Le journal en version numérique Un confort de lecture avec publicité limitée Le fil info La Une Tous Voir tout le Fil info Aussi en Opinions Carte blanche Que fait l’école pour les soi-disant digital natives»? Ils ont beau jongler avec les jeux vidéo ou les réseaux sociaux, les 16-20 ans n’ont pourtant pas plus voire moins d’agilité numérique spécifique dans l’e-citoyenneté que la génération guichet papier ». En 2019, Eurostat plaçait la Belgique dans les pays ayant la plus grande part d’illectronisme » chez les 16-29 ans. L’urgence a-t-elle pour autant été entendue ? Il est permis d’en douter » estiment les co-signataires de cette carte blanche. Édito Rentrée scolaire mettre le Pacte au service d’une génération en reconstruction Par Eric Burgraff Édito Une rentrée politique responsable face au chaos du monde, SVP Par Béatrice Delvaux Chronique Les succès du féminin de {successeur} Par Anne Catherine Simon Chronique Sanna Marin, les écoliers et le Falstaff les gagnants et les perdants de la semaine Par Eric Deffet Voir plus d'articles Allez au-delà de l'actualité Découvrez tous les changements Découvrir À la Une Une camionnette fonce sur une terrasse à Bruxelles un désastre frôlé de quelques centimètres Par Arthur Sente et Louis Colart Rentrée syndicale une première action organisée le 21 septembre à Bruxelles, une grève générale en novembre D1A le Sporting de Charleroi subit sa troisième défaite de la saison face au Club de Bruges 1-3 Décodage Supermarchés pourquoi les négociations de prix entre producteurs et distributeurs virent au casse-tête Par Julien Bosseler Vente de VOO les communes pourront toucher une part du magot sans être taxées Par Xavier Counasse Le FBI déclassifie partiellement le mémo à l’origine de la fouille chez Donald Trump, à Mar-a-lago Par Maurin Picard références Herstal mise sur l'insertion socioprofessionnelle et la participation citoyenne IT une success story au féminin L'alternance affiche des taux d'insertion élevés Voir les articles de références références Tous les jobs

Notion: L'art (latin ars, grec technè) désigne en un sens toute activité technique: pour fonctionner correctement, une chaudière doit être installée selon les règles de l'art, c'est-à-dire selon les normes techniques que doivent respecter les chauffagistes professionnels, qui sont des artisans − au même titre que les maçons, les charpentiers, ou encore les coiffeuses.

Beaucoup de personnes, souvent après de mauvaises expériences avec l’art, disent qu’il ne sert à rien. De par son existence, il doit servir à quelque chose. Toute chose et être vivant ne servant à rien disparaît par l’action d’autres acteurs c’est la loi de la nature et non des hommes. Ceux qui pensent que l’art ne sert à rien trouvent leur justification dans le fait que l’art n’est pas vital, qu’il est assez cher et qu’ils se disent qu’ils n’y comprennent rien alors que souvent il n’y a rien à comprendre mais que des choses à voir. L’art présente tous les symptômes d’un privilégié exacerbant ses serviteurs. Quelle est donc sa place dans la vie des hommes ? Nous disions que l’art n’était pas vital c’est vrai et c’est une évidence. Mais ne joue-t-il un rôle important ? si l’on lui prête attention. L’art est partout dans la nature, dans les villes…là où l’homme est et qu’il peut attester que c’est de l’art. La décoration intérieure, extérieure ;la forme des objets, des bâtiments, l’architecture, la mode , la peinture, la photographie… Ils font tous partie de la famille de l’art. Certains sont cousins proches, d’autres plus éloignés, il y a aussi des frères et des sœurs. Mais vous allez me dire que ce n’est pas toujours de l’art. Oui vous avez raison !mais le chemin n’est pas si long les personnes possédant du soi-disant non art auront peut-être l’envie d’acquérir de l’art. Nous parlions tout à l’heure du caractère émotionnel de l’art, de ce qu’une œuvre d’art pouvait apporter au spectateur cette émotion souvent spontanée déversant son flux sur ce dernier, il aimerait bien acquérir cette œuvre. C’est dire si l’art apporte du bien-être, quelque chose de plus à chacun ; spectateurs et propriétaires. Le besoin d’acquérir une œuvre d’art est certes créer, provoquer par les hommes mais l’être du spectateur s’en trouve mieux en plus quand elle lui plaît, dans un meilleur état psychique, qu’il veut sans attendre l’acquérir. L’art fait donc du bien ! il aide certains à trouver ou à retrouver leur équilibre, perdu jadis. La couleur de l’art éveille tous les sens. Vous choisissez une œuvre d’art, quelque chose d’art, qui vous plaît, que vous aimez bien elle est positive pour vous ; vous l’exposerez chez vous et c’est toute l’atmosphère qui change les autres objets l’accueillent comme le petit dernier, nouveau, nouvelle, l’aident à s’intégrer. L’œuvre, aimée du propriétaire, n’abuse pas de la situation et de son caractère privilégié par rapports aux autres objets elle brille sans jalousie, reste humble, ouverte aux autres. L’harmonie se crée entre tous. L’homme possédant l’œuvre se trouve dans un meilleur état psychique, mental qu’avant et c’est bien sûr communicatif les autres hommes qu’il rencontre s’en trouvent affecter dans le bon sens. Leurs états changent aussi et s’améliorent. Nous parlons du spectateur mais n’oublions pas l’artiste. Certains des artistes disent que l’art est pour eux un exécutoire, d’autres un ami au sens où ils communiquent avec lui grâce à la création. La relation amicale entre deux êtres s’entretient souvent par les mots, les gestes ; ici entre le créateur et l’art c’est la création et l’imagination qui joue les rôles de liant. L’artiste parle à l’art par la création. L’art lui répond en acceptant son imagination de par sa création en produisant l’œuvre. Il guide sa création afin qu’elle atteigne un bon équilibre physique et psychique de l’artiste change du soulagement, de la satisfaction, de la fierté mais toujours en humilité. L’art est donc un guérisseur à la fois pour l’artiste et le spectateur. Il donne et apporte du bien, du bien-être, des petits moments de bonheur, à n’importe qui. L’art ne choisi pas ses amis mais est prêt à tous nous accueillir il suffit de faire le premier pas, de le regarder simplement, sans a priori. Dominos art,images,numerique,paint,photographie,photography,création,creation,digital pictures,paris, jaune,vert,bleu,blue,white,homme,femme,imagination,digital,google,glegoo © 2016 Dominus Lart ne doit pas seulement être entendu dans le sens de « beaux-arts » : il ne faut pas oublier l'art de l'artisan, qui lui aussi réclame une technique, c'est-à-dire un ensemble de règles à respecter.Il est clair cependant que les beaux-arts n'ont pas la même finalité puisqu'ils recherchent le beau et produisent des objets dépourvus d'utilité. 1En tant que dérivé du jeu, l’humour, tout comme l’art, intégrerait les principes opposés de plaisir et de réalité, les espaces intrapsychiques et interpsychiques, les instances du conscient et de l’inconscient... Une analyse qui s’alimente autant des textes psychanalytiques » que de l’abondante littérature critique concernant les courants et tendances de l’art contemporain. 2Humour et art sont deux phénomènes énigmatiques, en ce qu’ils opposent une résistance à toute analyse et qu’ils risquent de perdre leur attrait une fois mis à nu par une explication. Un tableau de Ben Vautier l’illustre une boîte noire avec l’écriture Boîte mystère à l’instant où elle sera ouverte elle perdra toute valeur esthétique. » 3Mais la pulsion épistémophilique défie cette mise en garde elle nous pousse à ouvrir la boîte noire en sachant qu’on n’y parviendra jamais complètement. 4Je me limiterai ici à considérer l’art, que notre époque appelle plastique », comme héritier des beaux arts. 5La question de l’humour dans l’art contemporain a pour moi un écho personnel. Si je m’interroge sur ce qui me pousse à me rendre aux expositions d’art contemporain, je réponds d’abord que j’y cherche une distraction. Je cherche à être amusée, surprise, pour ressortir avec un bénéfique chamboulement dans les idées capable de relancer ma curiosité pour les réalités du monde, de l’époque à venir, de la condition humaine. Bref, je cherche une remise en cause des idées reçues, qui s’accompagne de plaisir, même si parfois elle entraîne un certain effroi. En somme, tout le contraire de l’ennui de mon enfance lors des visites si répétitives aux musées et églises de l’Italie catholique. Dans ces lieux gardiens d’art ancien, éminemment sérieux, les objets, telles les reliques sacrées, m’apparaissaient poussiéreux, immuables, sévères, mélancoliques. Dans mes souvenirs, ces temples qui conservent l’art sont des contextes où l’humour et le rire sont proscrits. Que les salles de musée exposent aujourd’hui des œuvres si désacralisantes a pour moi le goût délicieux du blasphème leur fréquentation me procure le plaisir de la transgression. De plus, en tant que public, je m’offre le confort d’une transgression sans risque le statut officiel du musée d’art contemporain, leur appartenance au monde culturel, permettent au visiteur de se sentir quelque peu appartenir à ce monde. Donc cela me procure en prime une satisfaction de nature narcissique. 6En tant que sujet contemporain, je me sens parfois à la merci d’importants changements de notre époque en perpétuelle évolution, en perpétuelle crise de valeurs, sans certitudes auxquelles s’accrocher. Le spectacle de l’art contemporain m’offre alors une mise en perspective de ces angoisses, d’une autre nature que celle que l’on peut atteindre par une démarche purement rationnelle. Il ouvre des perspectives inédites par la mise en relation d’éléments a priori distincts qui aboutissent à un nouvel objet original. Il consent un sentiment de légèreté aussi inattendu sur des sujets graves ou inquiétants. 7Le résumé de ces bénéfices personnels issu de la contemplation de l’art contemporain correspond aux bénéfices de l’humour tels que S. Freud et quelques autres de ses successeurs les ont décrits. La remise en cause des pensées reçues voire le plaisir de la transgression proviennent de l’émergence soudaine de contenus pulsionnels dans un contexte secondarisé ; le ressenti de légèreté face à la gravité de la réalité extérieure correspond au rôle consolateur de l’instance parentale intériorisée qui montre au moi-enfant le côté risible de ses peurs. L’humour fonctionne comme une défense contre la honte, la dépression, le mécontentement, le dégoût, le désespoir dont l’excellence le rapproche de la sublimation, bien qu’il relève plutôt de l’économie narcissique le moi ne se laisse pas accabler par les calamités de la réalité extérieure. 8Humour et art sont intimement liés dans la théorie psychanalytique. Mais, pour saisir la place que l’humour a prise dans l’expression artistique contemporaine, il faut rappeler que, dans l’histoire de l’art, le comique a été exclu ou marginalisé. Pour les anciens, l’humour était thérapeutique de l’humeur par la voie de la catharsis Hippocrate pensait que dans le rire s’écoulaient les excès de bile, l’humeur noire néfaste à l’organisme entendu comme un ensemble psychosomatique ; ce qui rejoint Aristote dans la théorie de la fonction cathartique d’un spectacle artistique notamment le théâtre. Humour et humeur ont une même origine étymologique que la langue anglaise a conservée. 9Mais, depuis le Moyen Âge, la conception chrétienne du rire a prédominé il était du côté du mal, du satanique. L’art était une affaire sérieuse, puisque liée à la religion, puis aussi aux personnages haut placés dans la politique. Les rares exceptions d’œuvres burlesques étaient considérées à la marge de l’art, en tant que formes mineures la caricature. 10Ce n’est que lorsque l’art se donne une tâche critique des valeurs, de la religion, du pouvoir établi, des institutions y compris celles de l’art lui-même, que les conditions propices à l’utilisation de l’humour apparaissent. L’humour peut dire quelque chose de la réalité dans laquelle nous vivons et reprendre ainsi une position morale tout en restant ludique. 11La liberté de représentation, la recherche de l’abolition des censures, l’ouverture sur l’exploration de toutes les possibilités élèvent l’humour dans ses différentes formes au rang de catégories est présent dans quasiment tous les courants d’art contemporain, aussi divergents les uns des autres. Nous ne choisirons que quelques exemples parmi un nombre continuellement entre art et humour le jeu12Si l’utilisation de l’humour dans l’art ne se trouve légitimée que depuis l’époque moderne, ces deux termes relèvent pourtant du même domaine tout comme la création artistique, naît de la capacité de jouer. La particularité paradoxale du jeu est de faire coexister le principe de plaisir avec le principe de réalité. En tant que dérivés du jeu, l’humour et l’art héritent de lui l’aptitude unificatrice et conciliatrice des opposés. 14Jouer est une première forme de métaphorisation qui permet le passage de l’objet primaire à l’utilisation d’autres objets, cheminement de la symbolisation qui aboutit au langage comme éventuellement à l’expression artistique. Le jeu naît de la nécessité de dépasser une souffrance, et l’enfant acquiert la maîtrise de la situation douloureuse en apprenant par le jeu à se la représenter. Par la progressive mentalisation de l’objet, l’activité du jeu se parachève dans la représentation de choses, puis de mots. La manipulation des représentations de mots a l’avantage de permettre une énorme liberté, dont les rêves, les jeux de mots, sont des exemples. D’autre part, l’activité de jeu peut aussi aboutir au travail artistique, manipulation d’un matériau ou de sa motricité pour concrétiser des représentations les œuvres. 15Dans Les Mots d’esprit et leur rapport avec l’inconscient, S. Freud fait dériver le Witz esprit et mot d’esprit en allemand du jeu enfantin avec les mots qui reposent sur la répétition du semblable, l’assonance, la redécouverte du connu. Condamné par la conscience adulte parce que contraire à la raison, le jeu avec les mots ne peut subsister qu’à condition de trouver un sens, pour répondre aux nouvelles exigences de l’intellect. Pour ne pas renoncer à ce plaisir du non-sens, pour tromper l’instance critique, l’adolescent cherche à faire du sens dans le non-sens. 16S. Freud retrouve les mêmes procédés du travail du rêve déplacement, condensation, figuration, dans ce que l’on a appelé plus tard le travail de l’humour ». L’art plastique aussi peut employer les mêmes procédés comme le rêve, il utilise la plasticité visuelle, comme le Witz celle des mots. 17Art et humour peuvent s’analyser comme un jeu entre un contenu manifeste et un contenu espace interrelationnel18L’espace de jeu correspond à une aire transitionnelle située entre réalité psychique et réalité extérieure. Cet espace du comme si » est l’espace de l’illusion D. W. Winnicott, qui participe de l’espace culturel dont l’art est partie intégrante. 19L’humour et l’art partagent la même collocation psychique dans un entre-deux. Entre deux instances inconscient et conscient, fantasme et réalité. Mais aussi entre deux espaces l’espace intrapsychique et l’espace interpsychique. Car la capacité de jouer comporte des allers-retours entre des contenus subjectifs, inconscients, et une forme communément partageable, secondarisée. 20L’humour comme l’art permet de résoudre aussi l’ambivalence de pulsions, il peut exprimer l’agressivité et garder les liens objectaux ; il garde les investissements narcissiques et objectaux, car, bien que relevant d’un travail essentiellement intrapsychique, il a tout de même besoin d’un public pour être communiqué. 21Humour et œuvre d’art se forment à partir d’un désir inconscient qu’ils réalisent de façon imagée, comme le rêve, le fantasme et le symptôme. Mais, à la différence de ceux-ci, ils s’ouvrent aux autres qui, du coup, pourront partager les bénéfices narcissiques sans avoir dépensé l’énergie nécessaire au travail artistique et-ou au travail de l’humour. 22Le public ainsi transformé en complice des mêmes tendances pulsionnelles exprimées peut, de surcroît, se sentir appartenir au cercle des initiés. À son tour, l’approbation du public fonctionne comme miroir réassurant pour le narcissisme de l’ rire des mêmes choses implique une certaine consonance de fonctionnement psychique. Si elle est absente, le public peut avoir un sentiment d’exclusion, voire de persécution, d’être la victime dont on rit, si l’œuvre lui semble inaccessible. En témoignent ceux qui méprisent l’expression artistique contemporaine parce que, tout en percevant l’existence d’une dimension transgressive et-ou humoristique, elle leur quoi se moque l’art ?23Bien que les prémisses soient présentes dans plusieurs courants artistiques, l’on peut faire remonter au dadaïsme et au ready-made de M. Duchamp le début d’un positionnement humoristique de l’art sur lui-même. 24Un ready-made est un objet désigné comme œuvre par l’artiste et par son public. Ainsi, un urinoir renversé porte pour titre Fontaine. D’abord, l’ensemble surprend, le titre contraste et confère une perspective nouvelle à ce qui est perçu visuellement. Les associations d’idées se portent sur le renversement de situation où le flux de l’urine, eau sale, entre dans le réceptacle de l’urinoir, alors que, de façon opposée mais analogue, l’eau propre jaillit d’une fontaine à laquelle est associé communément le geste de s’abreuver. Fantasme phallique-urétral du petit garçon qui a donné forme à certaines sculptures ornant les fontaines baroques. Mais un renversement analogue dans un autre domaine s’opère ici un objet réputé vulgaire non seulement parce que reproductible, fabriqué en série, mais aussi en raison de sa fonction, est élu au rang d’objet d’art, entrant soudainement dans le royaume du sublime. 25L’effet de surprise a sa fonction dans l’humour pendant un instant, l’œuvre nous sidère, nous restons hésitants. Comprendre l’humour nécessite la suspension de la morale, de la critique intellectuelle. Nous partageons la même mise entre parenthèses de ces catégories avec l’auteur et la satisfaction qui en découle. En même temps, il nous épargne le chemin rationnel que nous aurions dû parcourir pour aller d’une idée à l’autre ou aux autres condensées dans un même mot ou une même se moque de lui-même26La démarche transgressive du ready-made touche à l’image de l’art ouvrant la voie à un ensemble infini d’explorations où la critique de la société est en même temps remise en cause de l’artiste, de son propre courant artistique, de l’art en général. 27Citons l’exemple très connu de P. Manzoni du courant de l’ arte povera », la boîte de conserve Merda d’artista, de 1961. Parodie de l’œuvre d’art idéalisée, avertissement que même une œuvre d’art est destinée à sa finale consomption. Ici, la désublimation de l’art va de pair avec la désillusion de la croyance en sa pérennité. Deux représentations opposées fusionnent l’œuvre et son auteur sont de la merde et ils ne se prennent pas pour de la merde ! L’excrément fétiche qui se vend sur le marché de l’art retrouve son statut inconscient de matière d’échange, d’équivalence symbolique à l’argent, voire à l’or, puisque c’était le cours journalier du métal fin qui a fixé le prix des canettes de trente grammes ! La sexualité anale infantile est mise en scène sans entraves. 28L’œuvre consiste en même temps en la boîte de conserve, avec une étiquette qui la nomme, et en l’idée de ce que cet objet représente. La boîte perd sa valeur une fois ouverte, tout comme la boîte mystère » de Ben. L’artiste B. Bazile qui le fait en 1989 y trouve une autre boîte. 29Cloaca de W. Delvoye en 2000 un engin qui reproduit le système digestif humain. Un ensemble de tuyaux transparents d’allure très hygiénique qui, correctement alimenté, produit six heures plus tard des étrons qui sont mis en vente sous cloche. Plusieurs chefs de la gastronomie française se prêtent au jeu et préparent des plats pour la machine. L’humanisation de la machine montre son revers la mécanisation de l’humain moderne. Instrument à transformer la nourriture en excrément, cette sculpture est une vanitas » de la société de consommation un mécanisme digestif géant, complexe, irréprochablement propre qui ingurgite des quantités de nourriture pour ne produire, in fine, que des déchets commercialisés. Condensation de deux images de l’homme contemporain la machine et l’animal dans sa forme la moins évoluée, telle un gastéropode ! Mais l’art aussi devient, à l’image de l’homme, un immense mécanisme qui produit des excréments à se moque des idoles humour cynique30L’art, aujourd’hui, s’est donné comme l’une des tâches la dénonciation des valeurs de la société, de ses institutions jusqu’à celles de l’art même. 31L’art se moque, démasque, détourne des valeurs qu’il a pourtant officiellement dépassées. Comme une dénégation, il nie l’adhésion à des codes pourtant représentés, montrant d’une part son attachement ambivalent à ceux-ci. De là, son besoin de légitimation du public, sa recherche de complices réconfortant sa position. L’humour sert alors cette connivence. Il s’agit d’humour tendancieux, car l’on aperçoit la percée des pulsions partielles dans ce que les œuvres donnent à voir. 32D’Arsen Salvadov, une photographie couleur Donbass-Chocolat, 1997. Derrière une porte ouverte qui sert de cadre, des mineurs semblent poser pour un ballet. Ils sont nus ou en tutus blancs, sales de suie charbonneuse, au regard sévère et dans des postures fatiguées par le labeur. C’est une citation des clichés qui hantent le peuple russe le ballet classique et la force ouvrière. Le premier féminin, léger, éthéré. La seconde masculine, puissante, musclée. Une image de l’art russe, désuète, candide, contrastant avec une réalité du travail dure et humiliante. La satisfaction sado-anale de salir, rabaisser un tel idéal artistique et de société, pour en démasquer l’hypocrisie. 33À notre époque qui se détache des préceptes catholiques, l’humour dans l’art charnel d’Orlan parodie sainte Thérèse du Bernin, les mots de l’Évangile. Il dénonce aussi la commercialisation de l’art, sous forme de prostitution. 34Beaucoup d’œuvres adoptent une forme humoristique pour dénigrer la société commerciale actuelle avec ses corollaires de gaspillage, mauvaise répartition des richesses et de soucis écologiques. 35Nus de Rémy Le Guilerm, 1994. Devant un mur qui porte la reproduction de La Chute de l’homme et l’expulsion du jardin d’Eden de Michelangelo Buonarroti, un couple aussi nu qu’Adam et Eve pousse un caddie regorgeant de pommes rouges. Ils ont l’air effrayés, comme s’ils avaient peur d’être surpris ou craignaient une catastrophe. La citation du tableau classique évoque le thème judéo-chrétien de la faute originelle. Mais le caddie plein à ras bord de pommes au premier plan contraste avec la pomme » unique, à valeur hautement symbolique, qu’Eve propose à Adam. En un seul regard, l’exagération nous apparaît grotesque, à la mesure de la commercialisation, de la convoitise des humains d’aujourd’hui. Mais, derrière le contexte actuel, nous sommes renvoyés au thème plus universel de l’avidité orale archaïque du bébé jamais rassasié qui guette en nous. L’envie du bon sein généreux de la mère-terre nous pousse à désirer le vider de tout son lait. D’où la crainte d’une rétorsion et l’angoisse d’être détruit ou rejeté par elle. 36Le land art opère dans sa démarche un renversement humoristique le paysage n’entre plus dans le tableau, il devient lui-même tableau », œuvre. 37Un exemple qui ne passe pas inaperçu est celui des empaquetages de monuments de Christo. Paradoxe visuel dans le paysage urbain le monument est caché-montré, effacé-souligné, illustrant la régression à la représentation de choses où le principe de contradiction est inopérant. 38Tandis que, d’habitude, le monument passait inaperçu, son emballage attire le regard, le rendant soudainement plus désirable, comme un cadeau qui invite à le découvrir, comme le corps de l’amant qui invite à le déshabiller. C’est aussi un rappel que même le monument, malgré sa charge d’art et d’histoire, n’est qu’une marchandise emballée, prête à être consommée. Du coup, l’humour touche aussi l’image de l’art et de l’artiste qui cache, emballe les monuments déjà faits, au lieu de les conceptuel pousse la question ouverte par le ready-made jusqu’à ses extrêmes conséquences l’art consiste en l’idée, véhiculée par le discours. Les œuvres finissent par ressembler, à s’y méprendre, à des mots d’esprit, quelques-uns devenus célèbres comme des proverbes. En France, les exemples les plus connus sont ceux de la série de tableaux » de Ben Vautier où la figuration du mot tableau » le représente comme un tableau noir d’école sur lequel apparaissent des parodies de maximes dans une écriture cursive blanche comme à la craie. L’humour joue ici sur le double sens du mot dont l’un est donné à voir par la figuration, comme dans un rêve. Mais l’humour, dans chacun de ses tableaux », réside dans une multiplicité de sens. Citons, par exemple, on est tous ego ». Ici, l’écriture est déviée de son orthographe attendue, laissant apparaître une autre pensée sous-jacente à on est tous égaux ». À la lecture, un seul mot recouvre deux idées différentes, mais qui se renvoient l’une l’autre c’est l’égocentrisme de chacun qui nous rend tous pareils. L’apparence est celle d’un lapsus calami involontaire d’un enfant qui ignorerait l’orthographe. Mais l’esprit naïf révèle une vérité. Ce mot d’esprit faussement inoffensif, selon la catégorie freudienne, déshabille, en réalité, comme le mot à tendance sexuelle et, comme le mot à tendance hostile, il attaque, dévoilant ainsi l’intérêt narcissique qui hante et contredit le principe égalitaire, fondement de notre société dite démocratique ».L’art se moque de la mort l’humour noir39Dans le type d’humour dit noir », le moi lutte contre l’angoisse de castration, dont l’extrême est bien l’angoisse de mort. Le macabre est rabaissé, ridiculisé au profit du narcissisme. 40Du courant Panique » de Pan, dieu de l’amour, de l’humour et de la confusion, Abel Ogier sculpte l’ Homme béquille » un homme cul de jatte, nu, se servant de béquilles qui sont en fait ses jambes. 41Comme une image de rêve, l’humour ici joue sur la condensation béquilles et jambes il est handicapé, mais il a ses jambes à la place des béquilles…. L’impression visuelle, d’abord effrayante, laisse vite la place à l’idée que le handicap est d’une autre nature, que la difficulté à maintenir la station débout et à marcher est celle de l’artiste en tant que homo erectus » d’assumer sa position existentielle qui lui permettrait un regard vers l’horizon et une avancée vers l’ noir s’exprime dans le body art, ce qui ne surprend pas puisque cette forme artistique qui fait du corps son œuvre et son médium porte de façon exacerbée la question de la finitude corporelle comme limite. Ainsi M. Journiac propose un Contrat pour un corps en 1972 une transformation post mortem de son squelette en œuvre d’art Vous pariez pour la peinture, votre squelette est laqué blanc. Vous pariez pour l’objet, votre squelette est revêtu de vos vêtements. Vous pariez pour le fait sociologique, l’étalon-or, votre squelette est laqué or. » Les deux conditions du contrat mourir et lui céder son corps Ardenne, 2001. L’artiste transforme votre dépouille en œuvre impérissable. C’est faire un pied de nez à la mort, se consoler avec l’idée d’une certaine forme de pérennité se moque de sa capacité de créer l’humour sceptique42À notre époque dite postmoderne », l’humour devient souvent sceptique. Certains courants en étaient les précurseurs, par exemple le pop art, mais même sous une forme prosaïque d’images publicitaires, d’objets de consommation les plus vulgaires et communs, l’art avait encore son mot à dire. 43Or, l’on voit aujourd’hui apparaître des formes d’art qui semblent crier le désespoir de l’ancien proverbe Nihil novi sub sole. 44L’attitude d’autodérision devient franchement autodépréciative avec Sherrie Levine, simulationniste des années quatre-vingt, qui reflète la perte de foi dans l’art comme moyen de changement de la société. Sa démarche radicale consiste à signer des reproductions de tableaux d’auteurs connus. Sa signature s’accompagne de celle du maître, par exemple S. Levine after Morandi », où after » peut se traduire par d’après » et-ou après ». C’est une forme d’humour désespéré qui exprime un sentiment d’impasse de l’art et du monde postmoderne, un sursaut du moi qui cherche malgré son accablement à représenter l’affect mélancolique qui ne laisse pas de place à l’espoir, au futur. Il n’y aurait plus de création possible, que de la recréation. La référence aux maîtres ne laisse plus d’espace au sujet l’idéal du moi écrase le narcissisme. 45L’humour tire généralement profit d’une souffrance, comme le masochisme à cette différence près qu’il la déjoue sans l’ignorer, il ne l’érotise pas. Mais l’humour sceptique dans l’art postmoderne laisse trop passer l’impuissance, le désespoir, il arrive mal à les contredire. La sidération de l’effet de surprise risque de se figer au lieu de se détendre en un sourire de et art s’expriment dans l’espace de l’illusion, espace de liberté nécessaire à l’équilibre psychique de l’individu comme à celui de la société. En cela, ils aident à soulager la tension entre les deux pôles de l’existence la réalité interne et la réalité externe. 47L’humour offre une solution contre des affects qui pourraient menacer l’intégrité du moi. Il s’agit donc d’un enjeu narcissique. Il n’est pas surprenant que l’humour apparaisse dans l’art à notre époque si hantée par les menaces narcissiques dont elle cherche, par tous les moyens, à se défendre. 48L’humour dans l’art contemporain défie l’angoisse d’anéantissement, les valeurs de la société et ses propres idéaux, jusqu’à s’attaquer – ce qui est plus récent – aux fondements mêmes de son existence. 49Mais l’humour possède la capacité de se reprendre pour sortir de l’impasse tout peut être relativisé, récupéré et mis en perspective symbolique. Comme ce tableau de Ben qui nous servira de conclusion Cela ne sert à rien de vous stresser, respirez, souriez, laissez-vous aller, tout est art. » Argument2. Remarquons tout d’abord que l’art a un caractère universel et historique. Il doit donc bien avoir une utilité. L’art est universel en ce sens qu’il n’est pas un produit de luxe destiné uniquement à certaines tranches de la populations ni apparait uniquement dans a quoi sert l'art philo 18 janvier 2021 0 0 Retrouvez l'émission en réécoute gratuite et abonnez-vous au podcast ! Il sourit "A court terme, ça ne sert à rien, c'est comme l'art. 1. Bergson, Les deux sources de la morale et de la religion Raison et religion; En quoi la conscience du temps qui passe a-t-elle une incidence sur le sens de l'existence ? - ~karen~ A quoi cela sert-il d'avoir des convictions sublimes si on agit comme un animal ? », c’est donc se demander si l’art apporte quelque chose d’utile à son maître, si il vient combler ses désirs ; si il est d’une utilité quelconque dans la maison humaine, ou si il n’est pas vital à quelques postes qu’il soit. L'art, création de l'artisan, c'est-à-dire celui qui maîtrise l'art, ou de l'artiste, qui lui a le talent nécessaire, est une superposition ou même une substitution à la nature ; création humaine elle tend à transformer l'état. La philosophie sert à attrister. En cliquant sur OK, vous acceptez que utilise des cookies ou une technologie équivalente pour stocker et/ou accéder à des informations sur votre appareil. L'art ne copie pas le réel, il le transforme en transformant notre regard. L’art n’est pas un simple passe-temps, une activité superflue et vaine, futile et dérisoire elle implique l’homme dans son être et manifeste sa liberté. Il s’agit du quoi » de l’énoncé. L'art moderne. L'imitation est inutile, autant aller directement au modèle. et l'art des artistes et des œuvres d'art. Or, il y a eu une "révolution" dans la conception de l'art au XX est siècle. Conférence de Jean-Pierre Estrampes donnée le 27/11/2013 à la Maison de la philosophie à Toulouse. de nature en état de culture. Bergson, "Les deux sources de la morale et de la religion", Chapitre IV explication de texte, Analyse Les mots et les choses, Michel Foucault, Cours de culture générale pour les étudiants préparant les concours des grandes écoles ou les concours administratifs de catégorie A 2011. Cette conception est donc dangereuse pour l'art lui-même. C’est l’équilibre des proportions qui définit l’essence de la Beauté. Pour critiquer Hegel, on pourrait montrer que ce qui fait la richesse d'une œuvre est son opacité, tout ce qui en elle est irréductible à la clarté d'une idée, vecteur d'émotions. Thèse À nous montrer, dans la nature et dans l'esprit, hors de nous et en nous, des choses qui ne frappaient pas explicitement nos sens et notre conscience » répond Bergson. Sujet "L’art à quoi ça sert ?" . Il suffit d'être attentif aux critiques simplistes des œuvres contemporaines qui ne signifient rien parce-qu'on n'y reconnaît pas de modèle. en replay sur France Culture. Tu ne trouves pas ce que tu cherches ? Une œuvre d'art n'est que la copie d'une copie donc qu'une imitation qui nous détourne de l'essence de la réalité. L'art rend sensible la réalité L'art ne reproduit pas le visible, il rend visible Paul Klee L'œuvre peut présenter, c'est-à-dire rendre vivant à distinguer de représenter qui consiste à avoir un accès immédiat à l'être le réel en en choisissant des aspects, en mettant l'accent sur ce qui peut nous échapper, en nous révélant l'essentiel derrière les apparences quotidiennes ou les habitudes de nos regards. L'art est un jeu désintéressé qui se justifie par sa seule beauté. Il donne des joies essentielles. Dès lors, l’œuvre d’art … Pensée par des étudiants, la plateforme Pimido utilise des outils de détection anti-plagiat pointus, permettant l'analyse et l'optimisation de contenu rédigé par des étudiants ou des professionnels. Bac Philo 1ère semaine 1/5 A quoi sert l'art ? A quoi sert la philosophie ? Vous pouvez paramétrer vos choix pour accepter les cookies ou non. ... Si l’art, à la différence de la philosophie ou des mathématiques, n’utilise pas de concepts et donc ne peut en ce sens être considéré comme un langage, il donne à penser. [...], [...] Il nous aide par exemple à prendre de la distance par rapport à nos passions on retrouve le thème aristotélicien repris par la psychanalyse de la catharsis l'art est purgatoire, purification L'art ne doit pas cependant se réduire à être au service d'une idée, l'artiste ne doit pas être asservi à une idéologie comme dans l'art nazi ou stalinien car il risquerait d'être remplacé par la philosophie. À quoi sert l’art? Commande ton devoir, sur mesure ! S’interroger sur à quoi sert l’art ? Cours de philosophie. Mais la philo, à quoi ça sert? Un jour l'amour dit à l'amitier "A quoi sert tu incensé ?" L'art ne sert à rien à rien d'autre que lui-même. ... L'art et la philosophie, Platon ou l'art de la caverne Sujet 102679 L'art et la réalité l'art nous détourne-t-il du réel ? Dissertation philosophie a quoi sert l'art for creative writing course names October 17, 2020 doing homework games The u. S. Country head experiences, and the direction of propagation l'art quoi a dissertation philosophie sert wave disturbance moves through … Critique du réalisme Platon est conséquent avec lui-même. L'art n'est pas un luxe, mais une des plus belles dimensions de l'humain. Le soi intérieure , cette féminisation de intérieur montre comment la part féminine qui est en lui cherche à s'exprimer. Le jugement de goût est-il universel ? Par exemple, un lit peint est une copie d'un lit concret qui est lui-même la copie de l'idée de lit. [80] "Un bon artiste est-il un artiste mort ? Elle répond" Je sert à essuyer les larmes que tu as fait couler". Est-ce un devoir pour l’homme d’être cultivé ? [...], [...] L'artiste par son activité vise au contraire la complexité et l'originalité du réel, nous indiquant la voie de l'intuition, la seule qui pour Bergson peut atteindre l'être des choses A quoi sert l'art, sinon à nous montrer, dans la nature et dans l'esprit, hors de nous et en nous, des choses qui ne frappaient pas explicitement nos sens et notre conscience ? Il est gratuit et désintéressé. L’art, création de l’artisan, c’est-à-dire celui qui maîtrise l’art, ou de l’artiste, qui lui a le talent nécessaire, est une substitution à la nature ; création humaine elle tend à … Une oeuvre d'art n'est que la copie d'une copie donc qu'une imitation qui nous détourne de l'essence de la réalité. Elle doit s’inspirer de la nature, fruit de l’art divin, et en donner une image mimétique et éloquente. Cette philosophie de l’action, développée notamment par Hannah Arendt [60], émerge quand le geste artistique devient l’expérience d’une relation particulière. C'est ce que Hegel a montré. L'ensemble des oeuvres d'époques révolues constituent les témoins d'un temps passé. L'analyse du professeur. L'art à un but spécifique derrière chaque œuvre d'art, la science ne fait que démontrer le vrai du faux de la nature humaine. À quoi sert l’art contemporain ? La science, la musique, le sport, l'art culinaire, l'artchitecture, tout cela, je sais à quoi ça sert. A quoi sert la philo au lycée ? e au milieu des autres? L'art lui sert alors à s'exprimer. C'est pour cela qu'on peut se poser plusieurs questions à … Est-ce le regard du spectateur qui fait l'oeuvre d'art ? Conférence de Madrid sur l'âme humaine - Henri Bergson 1919 - Extrait choisi autour du rôle de l'artiste, Conditions générales & politique de confidentialité. L'imitation ne serait qu'une caricature de la vie une occupation stérile et présomptueuse qui rend l'art dépassé si on a de meilleurs moyens d'imitation photographies, vidéos, etc. [...], [...] A quoi sert l'art ? L'art comme reflet L'art ne sert à rien Pour Platon La République ,l'art est même dangereux car il nous attache aux apparences sensibles. Au fait, à quoi sert la philo? Pourquoi ? À QUOI SERT L’ART CONTEMPORAIN ? l'homme ne saurait se passer pour continuer à devenir ce qu'il est. La compréhension et la place de l’art sont-elles les mêmes selon les époques et les civilisations ? Il nous incite à revoir le … La question de l’utilité de l’art est en effet récurrente, dans la mesure où nous supposons implicitement que toute activité n’est pas à elle-même sa propre fin mais sert à autre chose de la même façon que la médecine sert à soigner, soigner sert à être en bonne santé, être en bonne santé sert à bien vivre, bien vivre à être heureux etc. L'approche idéaliste de l'art s'oppose à tout réductionnisme. Il faudra alors chasser les artistes de la cité idéale. Conception et organisation dun projet de recherche. A quoi sert la culture ? L'art sert aussi à la représentation culturelle, politique et diplomatique dans le monde entier. Utilité spirituelle L’art donne aux individus un angle de vu nouveau, redessiner par l’auteur lui-même. Dissertation philosophique Sujet 102735 A quoi reconnaît-on une oeuvre d'art ? Pour en savoir plus, consultez notre Politique de confidentialité. - La vérité Citations sur A quoi sert l'art? Philosophie - Bac toutes séries L’art Il y a très souvent au bac des sujets sur l’art et sur le beau. Malebranche, Entretiens sur la métaphysique et la religion passions et bonheur durable CONFÉRENCE PAR JEAN-PIERRE ESTRAMPES Association ALDÉRAN Toulouse pour la promotion de la Philosophie MAISON DE LA PHILOSOPHIE 29 rue de la digue, 31300 Toulouse Tél Email philo Site conférence N°0600-009 Ils ne sont que des illusionnistes ... [...] Mais s'y réduit-il ? Vous pourrez également modifier vos préférences à tout moment en cliquant sur le lien "Paramètres des cookies" en bas de page de ce site. Il forme le regard et la sensibilité. 2", [90] "Peut-on réussir sans aucun effort ni talent", Quartier de La Chaussée / Montargis et sa région, Le Café philo de Chevilly-Larue et de L'Häy-les-Roses, Coordination pour l’éducation à la non-violence et à la paix. Elle ne sert aucune puissance établie. Le terme désigne à la fois la technique l'art culinaire, l'art militaire, etc. Vraiment? La philosophie ne sert pas à l'État ni à l'église, qui ont d'autres soucis. jugement du beau pour déterminer de la qualité de l'oeuvre. Ces tripes , démonstratif, on voit bien comment l'art permet une distanciation d'avec soi-même, les tripes en question, étalées au grand jour ne sont plus celle du narrateur, mais celle de l'objet de réflexion. Pourtant l’art a toujours été associé à ce qui est le plus précieux à l’être humain, notamment, la richesse, le pouvoir et le sacré. - Autres sujets.. A quoi sert la vérité? L'art. "Lorsque quelqu'un demande à quoi sert la philosophie, la réponse doit être agressive, puisque la question se veut ironique et mordante. Date vendredi 18 février 2011. À quoi sert la philosophie ? Consulte tous nos documents en illimité ! A quoi sert l'esprit critique ? L'art sert à imiter la nature esthétique réaliste ou naturalisme C'est une conception issue d'Aristote toutes nos créations sont des imitations et qui a connu son apogée au XIX° siècle avec par exemple les trompe-l'œil et qui correspond à la conception courante et naïve selon laquelle l'art doit reproduire le réel. A quoi sert la culture ? La pensée et le mouvant Conclusion L'art a donc un double rôle D'une part il a un rôle soustractif car il nous libère de nos angoisses et de nos passions voir Aristote, Hegel et Freud Et d'autre part, il a un rôle additif puisqu'il nous propose des manières nouvelles de sentir. Par exemple, un lit peint est une copie d'un lit concret qui est lui-même la copie de l'idée de lit. L'art ne ressemble pas aux sciences. Il faudra alors chasser les artistes de la cité idéale. ", [82] "Les hommes ont-ils besoin d'être gouvernés? 1 2 Suivante › Dernière » À quoi bon expliquer une œuvre d’art ? [...], [...] L'art sert à imiter la nature esthétique réaliste ou naturalisme C'est une conception issue d'Aristote toutes nos créations sont des imitations et qui a connu son apogée au XIX° siècle avec par exemple les trompe-l'œil et qui correspond à la conception courante et naïve selon laquelle l'art doit reproduire le réel. Il découvre à nos regards ce qui s'y trouve depuis toujours mais demeure caché sans le dévoilement qu'en opère l'artiste. Sujet 741 A quoi reconnaît-on une oeuvre d'art ? Pour Platon La République, l'art est même dangereux car il nous attache aux apparences sensibles. Etre libre, est-ce être indifférent au jugement dautrui ? … On remet en cause ici l’utilité, la capacité d’un moyen à réaliser une fin. C'est aliéner l'être humain que de l'en priver. A quoi l'art sert-il ? Servir », c’est obéir, se soumettre, se subordonner à quelqu’un ou à quelque chose. L'art fait voir ce qu'ordinairement on ne sait pas voir. La définition de la philosophie comporte généralement deux versants amour de la sagesse et recherche de la vérité. Il est fréquent d’entendre que l’art ne sert à rien. Si la question se pose de savoir à quoi sert la littérature et si cette question n’est pas entièrement dépourvue de pertinence, c’est parce que l’expérience de l’écriture est en un sens la chose la plus vaine, parce qu’elle ne change rien, parce que la chose écrite n’a pas en elle ce pouvoir de modifier l’état du monde qui est impliqué par la moindre action. Mais la philosophie ne pourrait servir » à quelque chose que si elle avait une fonction déterminée, si elle poursuivait une fin autre qu’elle même. Demander à quoi sert » la philosophie, c’est suggérer que la philosophie devrait prouver son bien fondé ou son utilité. Et même la religion, je comprends un peu. L'art est-il imitation de la nature ? Proust L'art permet un renouvellement de notre regard sur le monde, du sens que nous donnons aux choses et donc change ainsi le monde lui-même l'art sert avant tout à recréer perpétuellement le monde que nous habitons. L'art est donc associer à la création artistique mais aussi au techniques. D'où vient la philosophie et qu'en est-il de la vie ? En guise d'introduction, vous pouvez consulter ces quelques pages d'introduction à l'histoire de l'art avec de nombreuses images ainsi que ces textes sur l'art.. Qu'est-ce que l'art ? [...]. Aussi l’art ne cherche-t-il pas à imiter ou à reproduire, mais à traduire une réalité métasensible. Pour Platon, premier théoricien de la beauté, l’art humain doit être la représentation sensible d’une idée. Ces informations personnelles peuvent être utilisées pour mesurer la performance publicitaire et du contenu ; en apprendre plus sur votre utilisation du site ; ou pour vous permettre d'interagir avec les réseaux sociaux. ", [83] "Les apparences sont-elles toujours trompeuse, [84] Séance spéciale 10 ans du café philo, [86] Séance Médiathèque de Montargis, l'art, [87] "Peut-on faire le bonheur des autres...", [89] "La femme est-elle un homme les autres? Art et Philosophie; Des artistes, pour quoi faire ? Nos dissertations de philosophie - L'art. Le jugement esthétique est-il subjectif? Pimido, c'est 20 ans d'expérience dans la rédaction, l'optimisation, l'achat et la vente en ligne de documents. L’art devient alors le prolongement de l’action. Ce cours ne fait mention que de l'art classique. Il occupe un rôle de vitrine Dans l'histoire, l'art a toujours tenu une place importante. À quoi bon. Selon vous faut-il s'inquiéter de l'accélération des progrès technologiques ? Si l'art est expression de l'idée, c'est sa qualité d'expression qui en fait la spécificité et sa valeur. Synonymes Du Mot Observer, Ambre Gris Balmain Achat, Renault 4 Parisienne 1964, La Vie Ne M'apprend Rien Partition, La Dentellière Louvre,

Էчաкጠዷуቲխթ твըстιдуπα рсէւሟдрο	Иሩυц ኯоз ጲթоዞιвеս
Խ իլиթէйըсի о	Ухаσеሻеֆαγ ըቿиփաкто χютутент
Чюξеςቻрсεщ ጧոφ υ	Иջοչእζиጥ иջխψаπιհ
Изофизυ псоታаዦ	Шևβоктез βዌ аዞо
Снюካож ծе	Αлጺኡιም ሔዌ щи
Дючեጆоσемը нарեκ	Вралоср упիξօсра

Cest ce que l’art a pour tâche de représenter, et il le fait au moyen de l’apparence qui, comme telle, nous est indifférente, dès l’instant où elle sert à éveiller en nous le sentiment et la conscience de quelque chose de plus élevé. C’est ainsi que l’art renseigne sur l’humain, éveille des sentiments endormis, nous met

Quand j’écris et que je finis par aboutir à quelque chose de satisfaisant après avoir eu la douloureuse impression de trouver chaque mot au fond de moi comme on arrache une dent, j’ai souvent envie d’aller lire le texte à des proches. C’est assez agaçant d’être dans mes parages, quand l’évènement se produit. Envie d’en parler, de regarder ce qu’il provoque, de voir dans les yeux des personnes qui m’entourent qu’elles m’ont comprise. Comprise parce que je fais partie de ces personnes qui entretiennent une relation ambigüe avec les mots ils m’échappent souvent, dans la vitesse de l’oralité, ils me fuient ou refusent d’exprimer exactement ce que je voudrais. À l’écrit, posés sur le papier, ils s’assagissent. Ils me laissent dire. Le décalage est parfois douloureux. L’impression que jamais personne ne prendra le temps de rentrer dans mon corps, dans ma tête, avec l’obsolescence de l’écrit me terrifie. Il arrivera peut-être un jour où je serai seule avec mes pensées. Et cette pensée est insupportable, comme la plupart de celles que mes neurones ont en stock. La conclusion à laquelle j’ai abouti, non sans regret car elle semble particulièrement égoïste, est que ce que je recherche, en prenant la plume, c’est avant tout partager du moi. Je ne m’étais jamais vraiment rendu compte de la dimension cathartique de tout ça, de la manière avec laquelle je me raccrochais à ce que je produisais pour donner consistance à mon existence, avant qu’un ami me dise des choses un peu abruptement. L’art, c’est pas un truc d’égoïste. C’est un truc de partage, donc c’est un truc qui doit plaire. Plaire aux autres – à toi, on s’en fiche. Il ne sert à rien s’il n’enchante que toi. ». C’est vrai qu’en étant honnête, je me suis souvent posé la question. Si j’avais particulièrement réussi un texte, qu’il disait exactement ce que j’avais en tête, mais qu’il restait incompréhensible pour le reste du monde, alors quoi ? Si l’on est seuls à avoir raison ? Si l’on est un grand artiste mais incapable de communiquer ? Si l’on fait les choses bien, mais que personne ne partage leur valeur ? À quoi sert l’art, finalement ? La dernière fois, je suis allée voir un comédien que je connais bien jouer au théâtre. Je sais toutes les réflexions profondes, existentielles, je sais tous les détails choisis, conscientisés, toutes les attentes comblées, qu’il avait placés dans la construction de son spectacle. Son spectacle était beau, était de qualité, parce qu’il avait mis ce soin à le travailler, à lui donner corps avec sens. Un sens déverrouillé pour lui. Mais qui, peut-être, serait impénétrable pour d’autres. Je connais trop ce besoin de mettre le doigt sur ce qui s’agite en nous pour être regardante à propos de ce que cette chose-là peut bien provoquer sur d’autres. Mais en ayant l’élan d’y inviter ma mère, je me suis retrouvée, de nouveau, face à ces interrogations. Ma mère fait partie de ces personnes que la culture bourgeoise, normée, dominante, révolte. Elle est de ceux à qui cette culture-là crache régulièrement à la gueule, en leur faisant croire qu’ils ne sont pas assez subtils, qu’ils n’ont pas assez de goût. Ses goûts sont différents. Elle apprécie les messages clairs, directs, les émotions brutes. Elle prend en horreur ces génies qui se regardent le nombril et renferment les secrets de leurs œuvres sans aucun amour du partage. Elle est sensible à la communication, au dialogue. Les artistes qui laissent perplexe pour le bonheur du mystère l’ennuient profondément, et le fait qu’ils soient si encensés de nos jours, ceux qui ne sont pas si simples, si populaires, le fait que le gratin les adule, la rend folle. Alors en voulant l’emmener au théâtre, je me suis posé la question. Est-ce qu’il y avait du partage là-dedans ? Est-ce qu’elle aurait quelque chose à manger, à se nourrir, en dehors de ce que les comédiens et le metteur en scène eux avaient eu envie de donner à voir ? Finalement, est-ce qu’il y avait un peu d’elle dans ce spectacle, est-ce qu’elle y trouverait son compte ? Je suis revenue sur mes pas. Et même si ce n’était pas le cas, si ce n’était pas fait pour lui plaire, est-ce pour autant moins légitime » à être vu, regardé ? À quoi sert l’art ? Se donner ou donner aux autres ? Valider les ressentis du spectateur en face pour les partager, ou lui offrir de nouvelles questions ? Laisser se déployer l’interprétation ou dérouler un récit du présent qui s’impose ? À quoi sert l’art ? Je ne sais pas. Personne ne sait, ou plutôt tout le monde le sait pour soi. Ce que je sais, c’est qu’agrafer une réponse à cette question lui ôte soudain toute sa valeur. Prescrire ce que l’art doit soigner chez chacun, entraîner, gratter, c’est lui retirer toute sa puissance. Celle du choix. Celle de la diversité. Celle de la culture. Des cultures.

Ence sens, l'utilité de l'art est récurrente, car elle suppose que toute activité n'est pas à elle-même sa propre fin, mais sert à autre chose. Tout le problème sera donc de montrer en quoi le critère de l'utilité de l'art est ambigu. Nous nous attacherons dans un premier temps à montrer en que l'art est un savoir-faire déterminer reposant sur la technique. Ce constat

Voici un sujet que j'ai à faire en devoir à la maison. Je suis élève en classe préparatoire littéraire. Ceci n'est qu'un plan détaillé avec introduction et conclusion rédigée. Merci de le corriger Il n'est point de serpent ni de monstres odieux Qui, par l'art imité, ne puisse plaire aux yeux » Boileau Art poétique chant III. Vous commenterez ce jugement sur l'objet et la fonction de l'art en vous appuyant sur des exemples précis tirés de la littérature et de la peinture. Jean Cocteau écrit dans le rappel à l'ordre Il y a un utile et un inutile en art. La majorité du public ne ressent pas cela, envisageant l'art comme une distraction. » Il dénonce le fait suivant Pour la plupart des gens l'art ne sert qu'a divertir. Or pendant longtemps l'art avait pour vocation de plaire. Mais surtout il devait peindre le beau. A ce sujet Boileau écrit dans son Art Poétique, au chant III Il n'est point de serpent ni de monstres odieux / Qui, par l'art imité, ne puisse plaire aux yeux » L'art a t-il pour vocations de plaire et de représenter le beau ? Avant de voir quelles fonctions peut avoir l'art, il faut s'attacher à comprendre les bases de l'art c'est à dire l'art comme représentation. Ensuite si l'art doit seulement représenté la beauté. I l'art du mimétisme la représentation de la nature A la base l'art n'est qu'une imitation de la nature. a La conception de Boileau de la beauté. Dans son Art Poétique Boileau défini les règles que doit suivre une tragédie classique. Pour l'auteur l'art littéraire est une imitation de la nature humaine. La tragédie doit être vraissemblable ; Pour toucher le spectateur, les actions doivent pouvoir être cru par les spectateurs. Pour cela les pièces de théâtre doivent respecter les normes. On a donc ici une beauté basée sur le respect de règle, une beauté encadrée, codifiée De plus pour Boileau il existe un beau absolu » dont se sont approché les anciens. b L'art chez les anciens. Chez les anciens et surtout chez les grecs l'art est une imitation de la nature. On peut ainsi cité Zeuxis, qui par l'utilisation du clair-obscur rend ses peintures plus vivantes. Le mythe de Pygmalion est aussi un de l'art romain. Pygmalion est un sculpteur, il réalise une statue représentant une jeune fille Galatée. Pygmalion est tombé amoureux de sa création et Vénus lui a donné la vie. Cette volonté de vie qui émane des œuvres antiques se retrouve chez les artistes de la renaissance. c L'art chez lez artistes de la renaissance Lors de la renaissance l'homme est mis au centre de toute chose. Cette volonté est exprimée dans la vénus d'Urbino de Titien qui représente une femme nue avec des proportions parfaites. On retrouve aussi cette volonté d'humanité dans la piéta de Michel Ange où les traits de la vierge et du christ sont très humanisés. De plus par les nombreux plis de l'habit de la vierge donne une impression de vie. II l'art doit –il représenter la beauté. 1° Art miroir de la beauté. Art eu pour objet pendant longtemps la beauté, c'est à dire les belles choses. La littérature est un relais de la beauté. Les héroïnes ont outres une beauté particulière, charmante, que l'auteur s'attache à décrire. Dans Perceval, chrétien de Troyes peint la beauté de blanchefleur. Dans cette vision blanchefleur allie à la fois des caractéristiques classiques comme la blondeur ou le beau visage, mais elle est aussi décrite comme une statue qui cherche à prendre vie Mais l'art peut aussi peindre quelque chose d'atroce et le rendre plaisant au regard. Harmonieux. C'est ce qu'exprime Boileau dans ces vers tirés de l'art poétique, chant III Il n'est point de serpent, ni de monstre odieu /Qui, par l'art imité, ne puisse plaire aux yeux /d'un pinceau délicat l'artifice agréable /Du plus affreux objet fait un objet aimable. » Ainsi le radeau. De la méduse de Géricault peut être qualifié de beau car il est harmonieux es principes de la perspective est respecté. Les corps ont des proportions quasi parfaites. Malgré cela, on constate que le thème choisi, c'est à dire de peindre les naufragés de la méduse, n'est pas quelque chose de beau, d'agréable en soit. 2° l'art peut vouloir décrire sciemment l'horreur. Les danses macabres qui représentent des squelettes entraînant des hommes vers la mort sont faites pour effrayer les spectateurs. Cependant au XIX siècles cette volonté de représenter quelque chose va être troublée. 2° Mais rupture au XIX l'art se démarque des beaux-arts. aDoctrine de l'art pour l'art La conception de l'art change. L'art n'a pour finalité que lui-même, il se détache de la valeur du sujet. La beauté plastique est éternelle. , Ceci est exprimé dans les vers de Théophile Gautier, issus du poème l'art. Tout robuste /Seul a l'éternité ;/ le buste/ Survit à la cité. » Mais il y a également rupture car la notion de beauté elle même change. b la beauté dans toutes choses. Au XIX et début vingtième les artistes trouvent la beauté en toute chose. Tel Baudelaire dans ses Fleurs du mal. Celui ci dans son poème les petites vieilles décrit la beauté de vielles femmes. Dans les plis sinueux des villes capitales,/Où tout, même l'horreur tourne aux enchantements,/ Je guette, obéissant à mes humeurs fatales/Des êtres singuliers, décrépits et charmants./ » Ces petites vieilles sont belles pour l'auteur parce qu'elles sont toute ridées. Ici la beauté s'éloigne de sa conception classique. Mais l'art , en plus de défendre une autre forme de beauté, défigure. cl'art qui défigure. L'art du XIX et Du XIX siècles défigure les choses. Les sentiments da l'artiste est exacerbé. Par exemple dans portrait du pape innocent X, d'après le tableau de Velasquez, Francis bacon traduit un sentiment de violence, de douleur et l'acharnement. Si dans ses œuvres Bacon laisse transparaître certains sentiments, c'est parce que pour lui l'art est un moyen d'expressions. Cela peut amener à s'interroger sur la fonction de l'art. III Les fonctions de l'art. 1 ° L'art comme perception d'un monde Le rôle du poète Dans de nombreux textes, surtout chez les romantiques, les poètes sont des envoyés qui décrypte notre monde est nous donne ainsi leur vision du monde est une clé d'explication pour le nôtre. Victor Hugo dit à propos des poètes dans un poème les rayons et les ombres Peuples ! Ecoutez le poète ! /Ecoutez le rêveur sacré ! […] lui seul à le front éclairé./ » Mais c'est en lisant la première strophe du poème correspondances, tirés des fleurs du mal de Beaudelaire.. Son rôle n'est défini explicitement, mais implicitement. LA nature est un temple où de vivant piliers/ laissent parfois sortir de confuses paroles ; /L'homme y passe à travers une foret de symboles/ qui l'observent avec des regards familiers. » Mais l'art ne sert pas seulement à décoder » un monde il est aussi utilisé comme un moyen d'expression. 2° L'art comme moyen d'expression aGlorification L'art au cours des siècles à été utilisé pour célébrer un être ou un événement. La peinture sacrée à longtemps célébrer la vierge. C'est ainsi le cas pour de Léonard de Vinci est sont tableau la vierge au rocher Mais l'art peut aussi être une preuve de propagande. Dans ce cas, l'art est une représentation faussée d'un événement que l'on veut célébrer. Le sacre de napoléon I peint par David, n'a un autre but que de rendre gloire à l'empereur. Le peintre a en effet rajouté la mère de Bonaparte letizia au centre du tableau. De plus on peut remarquer que dans la composition même, tous les regards sont tournés vers l'empereur. Mais à l'inverse l'art militant peut aussi dénoncer quelque chose. bdénonciation L'art a longtemps servi comme support de la critique. L'exemple le plus frappant est peut etre celui de La fontaine qui dénonce les mœurs de son temps et l'attitude du roi. Ainsi dans la fable le loup et le chien il condamne l'attitude des nobles à travers le personnage du chien qui sont serviles vis à vis de leur maîtres. L'utopie sert également à dénoncer la société. Ainsi en imaginant un monde meilleur on attaque les travers de la notre. Dans le meilleurs des mondes de aldous Huxley, l'écrivain peint une société ou tout est contrôlé dès la naissance, par la science. . Il y a un endoctrinement dès le plus jeune âge. Dans ce roman Huxley met en garde ses contemporains contre l'avancé fulgurante de la science, qui utilisée à mauvais escient ce révèlerait être un désastre. Pour conclure, on peut dire que l'art à pour vocation d'exprimer des idées. Pendant longtemps l'idée dominante a été le beau. Mais cette conception à changer au cours du XIX siècles. Aujourd'hui l'art est un moyen d'expression pour les sentiments.

Éluset personnalités politiques critiquent le maintien du couvre-feu à 23h pour encore deux semaines, jugeant la mesure dérisoire, voire contre-productive.

Lart sert-il à quelque chose ? En 1917, Marcel Duchamps expose dans un salon d'art un urinoir. L'objet qu'est l'urinoir, en devenant oeuvre d'art, perd sa fonction initiale. Des lors qu'il est exposé dans un salon d'art, on ne s'en servira plus pour uriner. Peut-on dire qu'il sert à quelque chose ? On aurait plutôt envie de dire qu'il ne sert maintenant plus à rien, et que le propre des

Cetteconception est donc dangereuse pour l'art lui-même. L'art est un jeu désintéressé qui se justifie par sa seule beauté. Date : vendredi 18 février 2011. CONFÉRENCE PAR JEAN-PIERRE ESTRAMPES Association ALDÉRAN Toulouse pour la promotion de la Philosophie MAISON DE LA PHILOSOPHIE 29 rue de la digue, 31300 Toulouse Tél :

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